Juste pour les oreilles...

On ferme !

2010-06-24T15:45:00.000Z

Oui, il était temps que j'officialise la mort de ce blog, resté si longtemps dans le coma, après un sommeil très profond.

Je ne donne plus dans la chronique, ni dans la radio, malheureusement pour moi, mais on ne peut pas être sur tous les fronts.

En tout cas, si tu aimais bien cette époque rock'n roll, tu peux toujours venir voir ce que je raconte comme connerie sur Juste pour dire et I Am A Working Grrrl !

Merci si tu as lu ce qui se faisait ici ou sur Santagore, c'est gentil.

Radio Balistiq, le projectile lancé sur les ondes...

2008-02-02T08:30:00.000Z

Parlons-en en fait, de cette fabuleuse idée qu'a eu une poignée de jeunes de Châteauroux et alentours : créer une radio associative, la faire vivre, proposer autre chose que France Bleue et des radios commerciales aux habitants de l'Indre, qui, comme tout le monde, ont droit au bon goût!

Et voilà, c'était l'idée de base de Yes We Can Can, association dont je fais maintenant partie et qui avance tout doucement vers la concrétisation de Radio Balistiq.

Après deux grands moments de radio FM en mai et décembre 2007, on continue le travail!

Depuis pas longtemps, je suis membre du CA de l'assoc' et en charge avec mon acolyte Nikotch, de la programmation de la radio. On est un peu les chasseurs de têtes de la future playlist de Balistiq !

Donc, voilà pourquoi, toi, groupe, label, musicien, maison de disque, producteur, diffuseur, tu ne dois pas hésiter à entrer en contact avec moi, Leeloo, jeune fille blonde à (pas) forte poitrine pour qu'on fasse du buisness ensemble!
Mon but, c'est d'engranger un max de contact dans le monde de la musique pour ensuite avoir une bonne sélection de skeud pour la radio et encore par la suite créer des partenariats afin d'avoir un max de nouveautés à diffuser sur nos ondes (web et FM, si dieu CSA le veut un jour!).

N'hésitez pas à aller jeter un oeil sur le site de la radio pour comprendre nos objectifs, découvrir notre playlist actuelle et voir les différentes émissions qu'on va programmer!

http://balistiq.free.fr

Yes We Can Can!!

Santagore is not dead...mais presque.

2008-01-07T08:44:00.000Z

C'est officiel. Santagore, c'est la fin, après 9 ans de bons et loyaux services, Pierrot et toute la team Santagore tirent la révérence.

On reste présent mais vachement moins qu'avant.

Merci à tout le monde, les groupes, les maisons de disques, les assoc', tout le monde merci pour ces grands moments de zic.

Je réitère mon appel, toux ceux qui veulent continuer à m'envoyer des cd pour la radio peuvent le faire, contactez moi on s'organisera.

Coeur.

Need a break...

2007-12-10T15:21:00.000Z

Avis à la population, enfin, aux quelques personnes susceptibles de lire les articles de ce blog et d'y porter un quelconque intérêt.

Vous avez sûrement constaté (je dis "vous", mais je pourrai dire "tu", je suis pas sûre qu'il y ait plusieurs lecteurs...!) que sur Santagore, les mises à jour ont du mal à arriver. C'est normal. L'équipe n'est plus très fournie et le peu de gens qui restent ont beaucoup de travail en dehors, et donc malheureusement pluss assez de temps pour des chroniques régulières.

Personnellement, ça me fait bien chier, je le dis clairement, mais voilà, je n'ai pas le choix, je suis obligée de faire une pause dans les chroniques. Plus assez de temps, un taf, un appart à gérer, toute la journée sur la route le soir fracassée, bref, c'est tendu comme un string pour tout faire!

Mais, les gens, ce n'est pas pour autant que je n'écoute plus les disques que vous m'envoyez et que je n'en parle pas autour de moi! En plus, je le dis et je le répète, je suis membre de l'association Yes We Can Can qui est en train de monter une radio associative Balistiq (orientée éclectisme, ouverture, pas commercial, bref décalé et donc en accord avec la zic que je reçois) et je pense que tous les cd que j'ai reçu un jour depuis que je fais ça, vont finir dans la discothèque de la radio, pour diffusion, promotion...Je ne vous oublie pas, ne vous en faites pas!

Mais pour le moment, Santagore c'est en break.

Pardon aux familles, tout ça. Par contre, si vous le voulez, continuez à m'envoyer vos cd, invitations aux concerts et tout ça, je prendrai du matériel de radio à la place d'un bloc-note!

Wok'n woll for ever!

Breed Machine, Eveil Hardcore, 2006, Nature Humaine

2007-09-17T11:31:00.000Z

Vengeance
My life my death
I’m your god
Suffoquer
Tra(K)ée
Nightmare
Le pouvoir
Found _ Kill
Why ?
J’observe
Paranoïa

Breed Machine, débarquait la première fois dans mes oreilles en 2005, avec leur premier EP éponyme, qui présageait déjà quelque chose de bon. Un je ne sais quoi d’énergique, de vivant et surtout une bonne grosse dose de rage. Ils sont revenus en 2006 avec un album, « Eveil Hardcore », bien travaillé et bien produit, qui, comme son nom l’indique, se balade entre le hardcore, le métal, le trash ou encore le death. Trop de styles tuent le style me direz-vous, mais ici, non, tout est habilement géré. Entre un chant orienté death plein de rage, de la gratte sombre chatouillant le côté hardcore qui sommeille en chacun de nous et fricotant avec le métal, ou encore la batterie qui fait son job en assénant des gros coups dans ta tronche, Breed Machine mérite le respect

Les différentes influences de chacun se marient dans cet album, on se trouve plutôt dans le trash avec « Suffoquer », dans le hardcore avec « Vengeance », dans le métal plus brute avec « Le pouvoir », le tout avec la voix de Mike qui ajoute un aspect violent, enragé et sombre sur tout ça. Evidemment, Breed Machine ne parle pas des petites fleurs qui poussent gaiement dans les praires, non, mais plutôt de folie, de souffrance, de haine, de mort (dans « Nightmare » par exemple), bref, c’est pas du Lorie et tant mieux ! Un peu de brutalité dans un monde en sucre, que diable !

Pour un groupe qui commence à bien émerger, Breed Machine, qui a déjà partagé la scène avec Black Bomb A et Tripod, s’assure un bon avenir, se plaçant en bonne position dans le milieu du métal français et certains iront même jusqu’à dire qu’ils n’ont rien à envier à leur compatriotes US…c’est pas faux. En gros, Breed Machine, c’est simple, c’est du gros son qui dépote, et surtout, c’est un groupe à suivre. Mention spéciale pour certains morceaux qui m’ont bien plu comme « Why ? », « Nightmare » ou « Le pouvoir ». Oreilles sensibles s’abstenir !

Leeloo

www.breedmachine.com

www.myspace.com/thebreedmachine

Groupo Athletico, Chic, 2006, autoprod

2007-09-17T11:28:00.000Z

Locomotive
Atomic
Très chic
We don’t know

Il était une fois, deux potes. Un qui joue de la guitare et l’autre qui tripotte des machines. Un jour, les deux comparses décident qu’il est temps d’allier leurs talents et se mettent à faire de la musique ensemble. C’est comme ça que naquit Groupo Athletico (à peu près !), nom très sportif s’il en est, probablement en rapport avec le fait que leur son va faire transpirer du jeune sur les dancefloors, je vous le garantie.

Groupo Athletico, ce n’est pas de l’électro à proprement parler, ni du rock pur et dur, c’est entre les deux, dans un monde parallèle, électro-rock, certes mais aussi athmosphérique, enfin je me comprends ! En quatre morceaux sur leur premier EP « Chic », on découvre un univers qui va du tube dancefloor de l’année à un univers plus « ambient »…s’il est une chose à retenir de ce groupe, c’est surtout l’énergie qu’il dégage.

Leur univers très pop, très coloré donne tout de suite envie de bouger, surtout sur « Locomotive », hymne électro-rock, ou encore sur « Très Chic ». « We don’t know », en fin de disque, c’est le moment de se poser un peu, de respirer quelques minutes, un peu plus sombre que les autres morceaux, il reste quand même un de mes préféré, j’avoue.

Groupo Athletico est pour le moment sur les scènes toulousaines, leur région d’origine, mais il est certain qu’on ne va pas tarder à les retrouver un peu partout en France, dès qu’un premier album sera sorti. A suivre !

Leeloo

www.myspace.com/groupoathletico

We Insist, Oh ! Things are so corruptible 2006, Corruptible Records & Orienté Bancal Production

2007-08-10T13:45:00.000Z

An Architect
Imperial Cathechism
My own Delight
Seclusion
The great Disorder
Half Awake
No Coward
Time is Lazy
Exhausted
The Sailor
Down to the Cellar
Early Recollections

Être original en musique, c’est quelque chose qui peut relever du casse-tête pour tout groupe qui essaye de sortir du lot. Créer, composer, chanter, sans être une pale copie des influences que l’on peut avoir, ne pas recommencer quelque chose de déjà entendu sans pour autant renier ce qui vous fait…tout cela est bel et bien quasi impossible. On trouvera toujours une ressemblance avec quelque chose qui existe déjà, et d’ailleurs, nous, chroniqueurs, la cherchons souvent cette ressemblance, pour tenter d’expliquer au lecteur la musique que l’on a dans les oreilles avec des mots.

Pourtant, avec certains groupes, il est impossible de comparer. Impossible de mettre des mots sur ce que nous entendons, tant c’est nouveau, « frais », inattendu. C’est le cas de la musique de We Insist !.

Un peu d’histoire pour tenter de donner une idée de ce que sextet peut donner. En 1998, les six musiciens du groupe, qui viennent tous d’univers différents et apparemment incompatibles, sortent un premier CD 5 titres, « We Insist ». Le nom est tiré du manifeste de Max Roach (batteur et compositeur de jazz) « Freedom now suite ». Presque dix ans plus tard, « Oh ! Things are so corruptible » est le troisième album du groupe, sorti sur leur propre label « Corrptible Records », marquant leur désir d’indépendance, mais aussi un tournant dans la maturité du groupe, dans ses compositions, son univers toujours décalé.

Le line up est impressionnant de diversité, plus qu’une formation de rock classique, We Insist ! englobe les instruments des univers musicaux qu’il affectionne : le rock et le jazz. Deux guitares, une basse, une batterie, un chanteur mais aussi deux saxophones, un alto et un soprano. Le ton est donné.

Parlons musique à présent, enfin, essayons de donner quelques pistes. Ce dernier opus est évidemment rock, mais aussi, jazzy, groove et par dessus tout inclassable. Le morceau d’ouverture « An Architect » sonne comme un titre rock joué en unplugged. On entend distinctement chaque instrument, chaque puissance, le tout allié à une voix puissante, très rock’n roll elle aussi, avec une manière toute particulière d’asséner les mots. A chaque morceau c’est un chant différent, très théâtral, vécu. Certaines sonorités de l’album ne seront pas sans rappeler Queens of the Stone Age par exemple (oh tiens, une première comparaison !), mais ça reste tout de même très loin des stoners américains. Un peu plus loin, « Half awake » prend des allures de free jazz saupoudré de gros riffs, alors que la chanson suivante, « No Cowards » donne plus d’importance à la voix, et reste plus dans un rock simple. Les guitares sont rarement saturées, les saxos sont parfois des échos, parfois des personnages à part entière. Et enfin, pour ne citer que celui-là et parce que je ne peux pas parler de tous les morceaux, « Exhausted », un bijou. Ce n’est pas un simple morceau, c’est une montée en puissance, tant au niveau vocal qu’instrumental. Un régal.

L’univers de We Insist ! est particulièrement de « Oh ! Things are so Corruptible » est assez étrange, vous l’aurez compris, tantôt foutraque, tantôt introspectif ou sombre surtout quand la place est donnée aux guitares qui balancent leur riffs psychos, on sent tout de même l’envie de donner ce que la musique à de plus beau, des possibilités infinies, des notes jusqu’ à plus soif, des émotions en pagaille. Sans être inaccessible, la musique de We Insist ! part dans tous les sens, tout en restant fidèle à elle-même, tout en ayant un sens, tout en disant quelque chose. C’est ce que j’appellerai de la créativité à l’état brut. Tout simplement. A écouter absolument.

www.weinsist.com

www.myspace.com/weinsistband

Omaha Bitch, autoprod, 2007

2007-08-10T09:47:00.000Z

Orgasmic Troopers
Paradise Fucker
Dancing Cyprine
Tuning Master

Une bande de psycopathes, des vrais, des cinglés, des malades. Et le pire, c’est qu’on leur a foutu des instruments dans les mains, et qu’ils ont fait un groupe, Omaha Bitch. Cinq parisiens déjantés, «Vibor impaler of death », à la gratte, « Evil glam groover of hell and heaven » à la batterie, «Mat rasta blanc da bass driver system baby » à la basse, « Master blood warhammer metal slug tonio » à la seconde gratte, et « Rouflaquettes queer alternative scream magnolia » au chant, venus tout droit des bas fond du monde death /rock pour anéantir le monde à coup d’une musique toute aussi déjantée qu’eux.

Deux ans de mise en place et les voilà sur le planches, dans les studios et maintenant en vidéo (le clip de Dancing Cyprine fait un tabac sur le net) pour le plus grand plaisir de nos oreilles.

Omaha Bitch c’est, comment dire, un mélange étrange et vivifiant entre du rock, du death et Britney Spears (je pense que l’image leur plaira). L’objectif est très clair, ne pas se prendre au sérieux et donner tout ce qu’ils ont, c’est-à-dire, une musique simple, drôle, loufoque et puissante.

Leur premier cd 4 titres atterrit donc dans ma platine il y a quelques jours, et mon sens de l’humour et mes oreilles ne s’en sont pas encore remis ! Avec le premier morceau, « Orgasmic Troppers », Omaha Bitch se présente à nous : de la gratte qui balance, de la batterie qui tape fort et qui rythme le tout entre rock, punk, et death. Au niveau du chant, ça ressemble à une voix pop, mais ne nous méprenons pas, il y a un gros potentiel derrière cet apparent miaulement de chaton en transe ! La preuve en musique avec le morceau suivant, « Paradise Fucker », qui monte d’un cran en puissance et en agressivité, puis avec le tube de l’été des dancefloors underground « Dancing Cyprine », qui allie aussi bien rock french touch, dérision british et gros son à pogo. Mention spéciale pour le clip qui va avec, à voir absolument pour comprendre l’univers des bonhommes et à prendre au 130000^èmedegré pour les défenseurs de la cause féministe ! (www.omahabitch.com) Le cd se conclut sur « Tuning Master », toujours aussi puissant, énergique et délirant.

Omaha Bitch, pour certains, ça pourra paraître très con, très basique, mais ce groupe recèle quand même de grandes qualités, notamment celle de faire du bien dans les oreilles ! Champagne !

www.omahabitch.com

www.myspace.com/omahabitch

Marilyn Manson, Eat Me Drink Me, Interscope Records, 2007

2007-08-08T09:53:00.001Z

If I was your vampire
Putting holes in happiness
The red carpet grave
They said that hell’s not hot
Just a car crash away
Heart-shaped glasses
Evidence
Are you the rabbit?
Mutilation is the most sincere form of flattery
You and me and the devil makes three
EAT ME DRINK ME
Heart-shaped glasses (remix by Jade E Puget)

Ca y est. Après plusieurs mois d’attente depuis la pré-écoute d’Avril dernier, j’ai enfin eu le temps de me pencher correctement sur le dernier Manson, Eat Me Drink Me, qui a déjà fait couler beaucoup d’encre, comme tout ce que fait Manson.

Foireux pour les uns, génial pour les autres, cet album ne laisse, en tout cas, personne indifférent.

En ce qui me concerne, je suis ravie par cet album. La nouvelle orientation musicale du Révérend vaut le coup d’y prêter l’oreille. Manson part dans un nouveau délire, plus rock, plus pop que les albums précédents, sans pour autant tomber dans la mièvrerie.

L’ouverture sur « If I was your vampire » annonce la couleur tout de suite. Cet album est sombre, triste, torturé, mais recèle également de petits bijoux d’émotions, et surtout, d’amour, sujet principal des onze titres qui le composent. Manson a souffert, son divorce, sa descente aux enfers de ces derniers mois l’ont vraiment déprimé, mais la chose qui l’a sauvé c’est l’amour, et voilà qu’il nous raconte comment tout ça s’est produit.

Le premier morceau raconte comment l’amour l’a sauvé, comment une âme innocente l’aimait assez fort pour lui faire réaliser que la mort ne le sauverait pas.

Puis arrivent des morceaux un peu plus énergiques, un peu moins tragiques. « Putting Holes in happiness » sonne comme une vengeance, un appel au monde : Manson a trouvé sa Bonnie qui va le suivre en enfer. « The red carpet grave » monte encore d’un cran dans l’énergie et la dureté, on sent que Manson s’agace, s’énerve, se lâche, dit musicalement ce qu’il a sur le cœur. « They said that hell’s not hot », ou une rélfexion sur les relations amoureuses, ou du moins sa relation passée avec Dita, pointe son nez et sonne comme une véritable complainte, un regard sur le passé remplit de nostalgie. Musicalement, les morceaux sont pour le moment mid-tempo, les guitares sonnent sec, les solos de Tim Sköld ponctuent chaque morceau, comme au bon vieux temps du rock’n roll.

Retour à l’émotion pure avec « Just a car crash away » : le duo amour-mort dans toute sa splendeur, Manson réalise aujourd’hui que l’amour ça fait mal dans ton cœur. Un peu kitsch de sa part comme constat, mais le morceau reste quand même très beau, très mélodieux, me rappelant « Speed of pain » sur Mechanical animals, album avec lequel EMDM a beaucoup de similitudes à mes yeux. Musicalement plus calmes que le reste, ouvertement axés sur l'amour (Mechanical c'était la période Rose Mac Gowan pour ceux qui auraient oublié), réactions du public plutôt enragées, ces deux albums se rapprochent tant par leur forme que par leur fond. Mechanical était cependant beaucoup plus glam, alors que EMDM sombre dans un univers gothico-romantique peu habituel chez Manson jusqu'à aujourd'hui.

Mais revenons à EMDM.

Retour de l’énergie, de la joie et surtout de l’humour de Manson avec « Heart-shaped glasses ». Morceau très pop, très enfantin. Inspirée clairement pas Lolita, il s’adresse directement à sa nouvelle nana, en se jouant de la morale et déclarant presque au monde : oui elle est carrément plus jeune que moi mais c’est une garce comme je les aime ! « Heart-shaped glasses » marque, à mes yeux, la fin de la première partie de l’album. On passe ensuite de l’autre côté du miroir, dans un monde plus enragé, plus glauque, plus vindicatif. Manson monte ici en puissance musicalement et dans ses textes également.

« Evidence », où la batterie et la basse donnent toute la puissance aux mots, puis « Are you the rabbit », petit passage Lewis Caroll , morceau saccadé, très empreint d’humour également.

« Mutilation is the most sincere form of flattery » est le morecau le plus drôle de l’album. On retrouve un Manson très fier, dont l’égo semble avoir été provoqué par on ne sait qui, enfin si, My chemical Romance, que Manson accuse d’être tout bonnement des pâles copies de lui ! On entend dans ce morceau toute la rage du monument de la musique qui règle ses comptes à coup de « Fuck you » (première insulte de tout l’album !). Manson fait figure ici de vieux de la vieille à qui on ne la fait pas, qui annonce aux jeunots de la nouvelle génération qu’il est loin d’être mort ! Un pur moment de kiff !

« You and me and the devil makes three », sonne également le retour d’un homme démoniaque, Manson laisse ressortir son côté obscur après avoir été « rose bonbon » pendant la moitié de l’album, le revoilà dans les bras de Satan. Un homme en trois parties, lui, son égo et le diable, un cocktail détonnant.

Conclusion de l’album sur « Eat me Drink me ». « It’s only a game » nous dit-il, retour à la réalité, rappel de qui il est, de ce qu’il est, Manson, un produit de consommation que tout et tous dévore, et il encourage à ce que ça continue : il est dévoré par l’amour de sa belle, et la dévore en retour. C’est ça l’amour mansonnien !

EMDM est donc, pour moi, un bon disque, un bon virage, une nouveauté appétissante qui donne faim de musique. Par contre, le morceau bonus, remix « dance-caca » de « Heart-shaped glasses », on aurait largement pu s’en passer, c’est juste de la merde !

Marilyn Manson's Rape of the world Tour @ Lyon, Halle Tony Garnier, 4 juin 2007

2007-06-18T13:04:00.001Z

Une fois de plus j’ai pris mon temps pour rédiger la review d’un concert. Je sais, « mea culpa », tout ça-tout ça, mais Manson à Lyon, c’est tellement improbable, tellement inattendu (faut dire qu’il n’est pas venu depuis oouuh, toutes ces années, voire même jamais !), qu’il a fallu bien tout ce temps pour que je m’en remette. Plus sincèrement, j’étais en vacances j’avais autre chose à faire. Mais, je sais bien, cher lecteur que j’aime, que tu ne m’en tiendras pas rigueur. Hein ? On est d’accord ? Allez, je te raconte alors…

Arrivée bien en avance pour cet artiste que j’apprécie particulièrement, je me suis délectée durant plusieurs heures du défilé de sosies et autres ultra-lookés qui peuplent tous les concerts du Révérend. A croire qu’il y a un concours, si t’es pas un max en noir, maquillé à la truelle, et recouvert de piques/pointes/truc SM, t’es pas un vrai fan… ! Enfin, bref, toutes ces personnes, que je salue, m’auront au moins permis de passer le temps sous un soleil de plomb. (A noter évidemment, qu’il n’y avait pas que des gens comme ceux-ci mais aussi des simples rockers et rockeuses comme vous et moi).

Vers 18h, ouverture des portes, les vigiles font entrer une partie de la foule, la parque dans la cour de la Halle et laisse les autres dehors…drôle d’idée mais bon, je suis dans le premier wagon. Lorsque les vraies portes s’ouvrent, tout le monde se rue sur les barrières et j’arrive à me trouver une place pas trop dégueu, sur la gauche, ça devrait aller.

La salle se remplie, puis enfin, les lumières s’éteignent pour la première partie, encore inconnue pour moi à cette heure-ci. Il s’agissait en fait de P.M.T, groupe d’helvètes hurlants, balançant un son indus très appréciable. Pour une fois, la public de Manson ne huera pas la première partie, ne jettera aucun projectile sur le groupe…bref, tout le monde est sous le charme. Et pour cause, la musique de P.M.T est rageuse, entraînante et mélodique à la fois. Les suisses enchaînent les extraits de leur nouvel album (Topping From Below, sorti en 2006) et nous offre une petite reprise de « Song 2 » de Blur qui mettra tout le monde d’accord : ce groupe est la meilleure première partie choisie par Manson de tous les temps, si peu !

Puis, fin du set de P.M.T, attente, clopes sur clopes, le drapeau estampillé du nouveau logo du groupe empêche de voir la scène, mais d’où je suis, j’aperçois quelques chandeliers, des percussions… Tout à coup, le rideau en face de moi, qui cache les coulisses, s’entre-ouvre, et qui vois-je avec son petit caméscope en train de filmer les fans ? La nouvelle copine du sieur, Evan Rachel Wood, qui se fait sa vidéo souvenir…comme c’est mignon !

Enfin, le noir complet se fait dans la salle, et les premières notes d’un morceau au piano résonnent. Puis, une guitare s’ajoute, c’est l’intro du morceau d’ouverture « If I was your vampire », le rideau tombe, et le groupe arrive. Hurlements de la foule. Premier couac du groupe. Manson ne semble pas très au point sur sa propre composition puisqu’il lancera le refrain en avance, c’est un peu la loose, mais tout sera rattrapé par la suite. Enchaînement avec le classique « Disposable Teens », qui passe lui, déjà beaucoup mieux, et c’est partie pour une heure et demie de concert Mansonien, avec son écran géant qui projette toutes sortes d’images entre pilules, dollars et cœurs. Des chandeliers sont disposés un peu partout, à la gratte of course, Tim Skold, à la basse, Rob Holiday ex-Prodigy qui se débrouille plutôt pas mal, et à la batterie l’homme invisible puisque ma position par rapport à la scène m’empêche de le voir ! Mais nul ne doute qu’il s’agisse de Ginger comme annoncé lors de la conférence de presse par Manson.

On continue la musique avec plusieurs morceaux du dernier « Eat me Drink Me » (« Just a car crash away », « You and me and the devil makes 3 », « Putting holes in hapiness »…), des morceaux cultes (« Sweet Dreams », « The Dope Show », « Irresponsible hate anthem »…) le tout bien mélangé. La mise en scène est forcément plus calme qu’il y a dix ans (je dis ça pour tous ceux qui râlent de plus voir Manson se taillader le torse, ça se résume en un mot : évolution) mais tout de même, l’énergie est là. Moi qui l’avait vu pour la première fois à Bercy pour la tournée « Lest We Forget », cette fois-ci je n’ai pas été déçue. Les nouveaux morceaux passent plutôt bien en live, bien qu’on aurait pu croire que leur relative « douceur », en comparaison avec la discographie du Révérend, puisse donner quelque chose de mou, « Eat me Drink me » est un album qui se prête bien au live.

Petits moments choisis : Manson qui fait une déclaration d’amour à son public, perso, je n’ai jamais vu ça, sauf ce soir là. En gros, on a eu le droit à « J’ai bien failli arrêter ce putain de métier il y a quelques temps, mais c’est grâce à des enfoirés comme vous que je continue », puis la phrase ultime « I love you motherfuckers ».

Sur « Heart-shaped glasses », on découvre un Manson kitschissime qui fait des petits coucou à sa mignonette cachée sur le côté de la scène. Aaah, quand le rocker le plus fou de la planète est amoureux… dommage ce coup-ci il lui a pas montré son cul comme à Paris !

Bref, la soirée se passe, les tubes s’enchaînent, les confettis pleuvent pour « The Dope Show », puis arrive le moment fatidique de la fin du concert. Alors, suspens, aura-t-on droit à un rappel ? Et oui, il s’agira de « The Nobodies », perché sur une chaise géante à deux mètres du sol, mais rien de plus. C’est fini, ils s’en vont, sans un mot, comme d’habitude.

Je sors de là plutôt contente, le son était pas mauvais (pour la HTG ça tient du miracle), le choix des chansons pas mal non plus et le groupe avait de l’énergie, c’est donc, pour moi, un bon concert de Manson version 2007, apparemment bien meilleur que sa prestation à Toulon. Il apparu par la suite qu’à Paris ce fut l’apothéose, comme quoi, il faut lui laisser le temps à Manson !

Set list :

01. If I Was Your Vampire

02. Disposable Teens

03. You And Me And The Devil Makes 3

04. Irresponsible Hate Anthem

05. mOBSCENE

06. Sweet Dreams

07. Putting Holes In Happiness

08. Just A Car Crash Away

09. Rock Is Dead

10. Heart-Shaped Glasses

11. Tainted Love

12. The Dope Show

13. Great Big White World

14. The Fight Song

15. The Beautiful People

Rappel : The Nobodies

PS : Cher lecteur, je n’ai pas pris de photos pendant le show, je m’en excuse et t’invite à aller jeter un œil sur celles disponibles sur le site http://www.manson-world.net/pho_con.php
Ca leur fera sûrement plaisir ! Puis va aussi voir P.M.T sur www.pmt1.com, pendant que tu y es! Je t'aime, lecteur, toi-même tu sais!

The 69 Eyes, Angels, 2007, produit par Hiili Hiilesmaa et Johnny Lee Michaels, sorti chez EMI

2007-06-17T15:36:00.000Z

1. Angels

2. Never say die

3. Rocker

4. Ghost

5. Perfect Skin

6. Wings and hearts

7. Star of fate

8. Los Angeles

9. In my name

10. Shadow of your love

11. Frankenhooker

Les vampires d’Helsinki, les rockers les plus dark et les plus goths de la terre sont revenus. Oui mes frères, oui mes sœurs, à vos bibles car ils sont de nouveau parmi nous !

Depuis « Devils », sorti en 2004, des tournées un peu partout dans le monde et des groupies plein les loges, les rockers de l’ombre sont partis faire un tour du côté d’Hollywood et c’est ce trip US que nous raconte « Angels ».

Neuvième album studio du groupe, produit par les as des as Johnny Lee Michaels et Hiili Hiilismaa, « Angels » est une sorte de visite guidée en Californie, d’Hollywood et de Los Angeles évidemment, et surtout du côté obscur du glamour ambiant. « Angels » est un album dark, sensuel, dégoulinant et glauque qui montre bien l’image de décadence qui peut régner sur la colline aux lettres géantes.

L’album commence par un « Angels » à la fois rock’n roll et goth (le deuxième effet clavier) et annonce la couleur noire et strass de tout l’album. « Ghost » reste définitivement le morceau le plus sombre de l’album et l’enchaînement avec « Perfect Skin », satyre du culte de la blonde à gros seins, reflète tout à fait le contraste hollywoodien. On aimera aussi la délicatesse de « Star of fate » qui surprend presque au milieu de toute cette énergie rock, « Los Angeles » évidemment, pour son refrain « crah ‘n burn’ n bleed ». Et enfin « Rocker », sorte de confession au tout-puissant qu’un rocker restera toujours un rocker, deviendra rapidement un hymne à la rock’n roll attitude !

On continue la visite, à votre droite, non pas la maison de Brad et Angelina mais des grattes recouvertes d’essence, accrochées aux selles des grosses cylindrées d’Hells Angels.

La voix de Jyrki69, chanteur charismatique du groupe, peut paraître un peu « kitsch », pour ceux qui n’auraient pas l’habitude, rappelant celle des chanteurs de hard FM des années 80, mais c’est ce qui fait le charme de ce groupe. Du cuir de motards mêlé à de la sensualité vampirique, des chœurs typiquement gothiques et des guitares rock’n roll trempées dans le whisky, c’est comme ça qu’on les aime les vampires d’Helsinki ! Keep on rockin’ comme on dit …

Leeloo

www.69eyes.com

www.myspace.com/theofficial69eyes

Merci à Noémy de Webpromo pour le Cd!

H-Tray, Distressing Report, 2006, sorti sur le label Jerkov Music.

2007-06-17T15:28:00.000Z

1. Short lived new trend

2.Ten years after

3. Distressing report (part1)

4. Distressing report (part2)

5. Behind each door

6. Stressed mind

7. Alert

8.Waste of life

9.Wise up

10. Median forebrain bundle

11. Aberation

12. Dust in the wind

Venus tout droit de Brive en Corrèze, les cinq fous furieux d’H-Tray balancent un son hardcore, métal et death à la frontière entre Hatesphere et Pantera. Avec leur album « Distressing Report », on en prend plein la tronche et on sent qu’on n’a pas affaire à des débutants.

Tout a commencé en 1997 (ça fait un bail dis donc !) avec une première formation, puis en 2000, départ pour Toulouse avant de revenir à Brive,quatre ans plus tard, forts de plus de 400 concerts en première partie de grands comme Gojira, ETHS ou Lofofora mais aussi en résidences. Aujourd’hui, H-Tray peut se vanter d’avoir écrit un album brutal, hargneux et technique, qui n’a rien à envier aux plus grands du genre.

« Distressing Report » ne peut cacher les influences death du groupe, notamment dans le morceau «Distressing Report part 2 », où les grattes sonnent presque black métal. Résolument death donc, mais aussi tinté hardcore, l’album d’H-Tray est une sorte de bombe qui explose sans les oreilles, donne des convulsions et une folle envie de se jeter dans le pit sans réfléchir à quoi que ce soit. Des morceaux comme «Behind each Door » ponctué de solos hallucinants, ou « Short Lived new trend » qui ouvre l’album et envoie une sauce brutale, offrent une qualité technique et sonore telle qu’on n’ose pas y croire.

Ce qui met vraiment la claque avec H-Tray, c’est que les cinq jeunes sont des musiciens hallucinants, que ce soit à la gratte, la basse ou la batterie (Léa tu mérites plus que le respect !). Ils ont bien retenu la leçon en se gavant les oreilles des sons les plus forts et se les approprient aujourd’hui pour pondre un album à la fois sombre et diabolique mais aussi énergique et enragé. Une bombe, je vous dis, une bombe, qui va faire frémir les oreilles des amateurs de brutalité à l’état pur.

Leeloo

www.h-tray.com

www.myspace.com/htray

htray@yahoo.com

Dirt Spawn Disease, Demo CD, autoproduit

2007-06-17T13:14:00.000Z

1. Exude through the 6th month of existence

2.Materialized Messiah

3. Won't let you try

4.Burning photograph

5.Petal

6. Evolve Eye Evoke

7.Filtered

8. In flesh and blood

9. Your own filth rose

La Grèce, ce n’est pas uniquement le pays de la feta, des monuments antiques, du sirtaki ou de Nikos Aliagas, non, c’est aussi un pays de métalleux, aussi bizarre que cela puisse paraître. Avec Dirt Spawn Disease, on est face à une bande de quatre musicos pleins de rage et surtout de talent.

Petite présentation : Au chant, Panagiotis Mademis, à la gratte, Nikos Drimalltis, à la basse, Thanasis Kolinis et à la batterie, Alexandros Sakallariou. (Effectivement, avec des noms pareils, on ne doute pas qu’ils viennent de Grèce ! Mais là n’est pas le propos.)

Leur première démo, autoproduite n’a pas véritablement encore franchi les frontières grecques, mais grâce à cet outils merveilleux qu’est myspace, le groupe commence à se faire un nom sur la toile, avant d’envahir les platines.

Le premier cd, donc, est une démo, mais pas de celles enregistrées au fond de la cave de maman, entre le sèche-linge et le barbecue. Le son est très bon, la production est digne des pros et c’est pourquoi les neuf titres de ce disque nous emportent rapidement dans l’univers torturé et enragé de Dirt Spawn Disease.

Leur musique c’est du métalcore, tantôt brutal, tantôt trash, avec un chant fricotant avec le hardcore et sachant tout autant se faire mélodique. Avec « Materialized Messiah », chanson d’ouverture de l’album (après une intro tripée), les DSD attaquent fort avec des gros riffs et un chant torturé. Ca continue tout le long du disque avec des très bons morceaux comme « Burning photograph » ou « Filtered », aux rythmiques lourdes et saccadées. Le groupe se qualifie de « métal/rock/expérimental », il y a de ça évidemment, mais surtout, ce qui touche le plus dans leur son, c’est la rage mélodique du chant qui s’allie parfaitement à des grattes trash. Ca claque, et c’est un bon présage pour l’avenir.

Un album est en cours de fabrication, et selon le groupe, les morceaux ont été retravaillés, on attend de voir le résultat. Pour patienter, on peut évidemment écouter des morceaux sur leur myspace, et pour ceux qui aiment les voyages, ils joueront en ouverture pour Metallica, Mastodon et My dying Bride au Rockwave Festival d’Athènes le 3 juillet prochain. Si ça c’est pas la classe… !

Leeloo

www.myspace.com/dirtspawndisease

www.dirtspawndisease.com

www.rockwavefestival.gr (attention pour ceux qui n’ont pas fait grec au lycée c’est galère !)

Idem, aérobiose [épilogue], 2007, produit par Bruno Brevet

2007-06-12T08:44:00.000Z

Dub’oith
And A
Aimless one
Utter love [sti]
Interpretative progress
Down the line
Scan is completed
OFCO
And a creative process
Aerobiosis
Power Of
R’hamman MC

+ 4 videos tracks, live, reportage et projet vidéo

Il y a quelques temps déjà, je vous parlais de Idem et de leur électro-rock-dub sombre. Je vous parlais d’un triptyque, concept de trois albums qui se suivent, un peu comme Star Wars, mais en version disque. Et bien, c’est la fin. Ca y est, le triptyque est terminé et pour fêter ça, les IDEM nous ont fait parvenir l’épilogue, avec les meilleurs moments de ces trois années de création électronique et rock’n roll.

Ce petit bonus CD tombe à point pour moi, qui ne connaissais que le dernier volet de cet épisode musical et créatif. Je découvre alors des morceaux très tripants comme « Utter Love » paru sur le numéro 2 « Aérobiose », ou « Dub’oith », qui ouvre a compilation, et qui figurait lui sur le premier disque « Waterglasscolor ». Je retrouve également des morceaux que j’appréciais sur le dernier « Out Immer ». Au final, c’est surtout le deuxième disque qui est le plus mis en avant, avec sept morceaux extraits de « Aérobiose ».

Et plus que de la musique, IDEM nous offre également quatre plages (ça se dit encore ça ?) vidéos, dont une qui permet de découvrir le concept que le groupe développe depuis 2005, « aerobiose featurings », spectacle qui développe la vidéo et le visuel. Une visite dans l’univers créatif et inhabituel d’IDEM, accompagnée aussi de live et d’un reportage tournée à l’occasion d’un festival.

L’occasion de revenir sur la carrière d’IDEM, qui arpente les scènes depuis sept ans maintenant, de jeter un œil sur son évolution à travers des morceaux aux ambiances étranges, pesantes, et sombres mais aussi rock et zen à la fois. Un mélange plus que subtile de musiques, de genres, de techniques, et d’arts. Idem est surprenant, captivant, et incroyablement inventif.

Leeloo

www.idem-kzfp.com

www.myspace.com/idemkzfp

Holophonics, A land to end my flight, 2007

2007-05-07T17:08:00.000Z

01 Slanging To Ourselves
02 The Deadly Hours
03 Soulmate
04 Neverelation
05 Mental Genocide Part. 1
06 Mental Genocide Part. 2
07 Unconcern
08 My Time
09 Landing Pax
10 For Old Time Sake
11 Question Of Time
12 The Answer
13 The Faking
14 Wise Man

Venus tous droit de Grenoble, les Holophonics, après seulement un an et demi d’existence et de premières parties prestigieuses, arrivent aujourd’hui avec un vrai album « A land to end my flight ». Il y avait d’abord eu une démo trois titres à l’époque, qui avait déjà eu son petit succès, mais là avec l’album, cela va aller plus loin. Il y a quelques jours, j’écoutais le premier album de Seether, comme ça pour me souvenir, et là je reçois Holophonics, j’écoute, et je trouve que musicalement, ça se rejoint, excepté au niveau de la voix. Mais voilà, pour situer, y’a de ça, du Seether, du 30 seconds to Mars aussi, mais surtout du Holophonics, on ne va pas commencer à les traiter de plagieurs ! Les cinq bonhommes de Holophonics jouent un rock lourd, métallique parfois, électronique de temps en temps, et surtout qui sonne bien.

C’est prenant, on s’y jette avec plaisir, et en même temps, il y a un petit côté obscur, dramatique ou je ne sais quoi que procure leur son. Premier album, quatorze titres, quatorze univers. J’apprécie particulièrement « Mental Genocide », pour le didjeridoo en intro, la voix étouffée, et cette impression de révolution et de renaissance par la musique. A certains moments de l’album, le son et le chant sont assez énervés, à d’autres on part dans la balade rock er romantique mais jamais cul-cul. Holophonics chante en anglais, ça colle bien, surtout pour les morceaux les plus « new rock » (tiens une nouvelle appellation !), ou qui partent sur des rythmiques un peu plus punk, plus nerveuses et rapides. L’album s’écoute bien, bien qu’au début la voix de Stef puisse « surprendre » un peu, on s’attend à quelque chose de plus grave, enfin en ce qui me concerne, mais au bout d’un moment, on finit par l’accepter et au final on ne se demande même plus ce qu’aurait donné une autre voix à la place, tellement il semble naturel qu’elle soit là. Les musiciens quant à eux, ne se démerdent pas mal, ça tape dur, ça gratte sec, bref, il y a ce qu’il faut là où il faut, sans trop d’effets, sans artifices. Direct, cash, efficace, Holophonics mélange dureté et mélodie sans se prendre le chou, et le résultat est juste ce qu’il faut : un bon disque.

Soirée Métal du Printemps de Bourges, 21 avril 2007, 22 Est et Ouest.

2007-05-03T07:18:00.000Z

C’était il y a deux semaines, je sais, mais il est encore temps d’en parler. Le Printemps de Bourges s’est déroulé du 17 au 22 avril dernier, avec son lots de concerts, de découvertes et de têtes d’affiches diverses et variées. Mais la soirée qui nous intéresse est bien évidemment celle qui s’est déroulée le samedi 21 au 22 Est/Ouest. Soirée métal/hardcore avec au programme sept groupes (Sikth a annulé son set de ce soir là), répartis sur deux petites salles, le 22 Est et Ouest. Ce soir là, on a donc pu écouter/voir/découvrir : Manimal, Transmission O, Kruger, Ephel Duath, Sleppytime Gorilla Museum, Death Before Disco et Enter Shikari.

Je ne suis pas vraiment arrivée à l’heure, je suis passée faire un tour tout d’abord au concert de Mitsoura, la chanteuse qu’on a pu découvrir dans le film « Gadjo Dilo ». La jeune demoiselle, tzigane dans les veines, a offert un set hyper carré, peut-être pas assez vivant mais très bon. Elle était accompagnée de quatre musiciens de malades : un percussionniste assis en tailleur sur une table, un violoniste/clarinettiste très oriental, un tripoteur de machine hallucinant et un pianiste/xylophoniste tout aussi bon. Tout cela donnait une sorte de world music électronique assez inhabituelle mais tout de même prenante. Une fois le set terminé, je décide donc de me bouger le fion pour rejoindre mes compatriotes métalleux, au détriment du set suivant « Ukulélé mania » (qui paraît-il était à chier !).

Après moult pérégrinations dans les rue de Bourges que je ne connais pas trop, je finis par trouver le 22 d’Auron, et au son, je sais que je suis au bon endroit ! J’arrive, alors que dans une salle, Ephel Duath tente de convaincre un petit public pas très motivé, et que dans l’autre ce sont les amis de Transmission O qui se préparent. Ephel Duath termine son set tant bien que mal, sans véritable succès, il n’y a pas grand monde, et moi-même je ne suis pas convaincue par leur son hardcore. Je vais donc jeter une oreille de l’autre côté, dans la seconde salle, le côté Ouest où Transmission O a commencé son set. Je reste quelques minutes, mais je ne suis pas encore convaincue, décidemment, je suis peut-être sur le point de regretter mon accréditation mais je ne désespère pas. Une bière pour passer le temps, une petite discussion avec un photographe et je vois que Sleepytime Gorilla Museum ente en scène et que ça a l’air de bien chauffer dans la salle.

Et là, c’est la révélation. Le 22 Est va être mon domicile de la soirée ! Les californiens de Sleppytime Gorilla Museum sont des musiciens totalement déjantés qui nous offrent une sorte de death expérimental déstructuré du feu de dieu, et qui semble faire l’unanimité dans le public. Les cinq musiciens dont une violoniste/chanteuse et un guitariste/percussionniste sur des gamelles, sont tous allumés et leur musique l’est toute autant. Le chanteur, n’en parlons pas, c’est plus qu’un chanteur, c’est une voix hors du commun, grave, éraillée, tuée. Un vrai régal, surtout pour le dernier morceau « Sleep is wrong », qui se termine par une mise en scène théâtrale et des jeux de voix hallucinants. Tout le monde est sous le charme, ça pogote dûr et leur succès est complet. Grosse découverte pour moi, comme pour mon baromètre de la soirée, une djeuns qui me confirmera que SGM c’était une grosse claque dans la face. L’album sort en France le 31 mai, restez sur vos gardes, ça va faire mal.

Je décide donc d’élire domicile dans le côté Est de la salle mais je vais quand même jeter un œil à l’Ouest quand Manimal poursuit son set. Pas mal me dis-je, le public est venu pour eux en masse, on sent les amateurs de Psykup venus supporter le chanteur. Le set est bon, bien réglé, tout le monde est à fond, mais je repasse quand même à l’Est car Death Before Disco va arriver.

J’avais entendu parler de ces petits belges depuis un moment, il était temps que je vois ce que ça donne. Et je n’ai pas été déçue : de la bonne musique mais aussi de la bonne rigolade. Outre le fait que le chanteur soit le frère jumeau caché de Guillaume Canet (miam !), et que des groupies émo dans le public leur fasse des cœurs avec les mains comme un public de la Starac’ en rut, musicalement, ça vaut le détour. Les DBD font un set émo/hardcore qui me rappelle du Lost Prophets, et sur scène comme dans la fosse ça bouge bien. En prime on aura eu le droit à un « je-divise-la-salle-en-deux-et-tout-le-monde-pogote » à la Pleymo des beaux jours, ça tombait bien c’est le moment où tous les photographes AFP et régionaux se sont pointés, du coup on a bien vu que les concerts de métal, c’est violent ! Mais revenons-en à DBD, un bon groupe, mélodique et trash à la fois, une autre bonne surprise pour moi. (Dernier album « Barricades », sorti en juillet 2006)

Le set se termine, la salle se vide, et j’attends alors Enter Shikari, qui apparemment est le clou de cette soirée. Il est déjà plus d’une heure du matin, pas mal de gens sont déjà rentré chez eux mais il reste encore quelques indécrottables qui, comme moi, ne lâchent pas l’affaire.

La salle se remplie, les lumières s’éteignent. Ca y est, les voilà qui vont entrer sur scène où les attendent des machines dignes des plus grandes raves londoniennes des années 90, ça sent le groupe qui aime le mélange de genres et moi j’aime ça. Les sons techno commencent à résonner dans la salle, des petites lumières clignotantes rouges apparaissent sur scène (c’est des bagues lumineuses qu’ils ont aux doigts !), et là, la claque à nouveau.

Enter Shikari débarque à grands coup de pompes de skate dans la gueule du public, le batteur saute dans la fosse et lance un pit de malade, le concert commence, c’est déjà de la folie. Ces britanniques sont soit totalement cinglés, soit sous acide mais en tout cas ça dépote. Leur son, c’est du hardcore mêlé à de la grosse techno, des grosse grattes et des grosses basses. Pour situer, je dirai qu’avec les Klaxons, on a la version pisseuse du mélange techno/rock, là, Enter Shikari, c’est pour les gros durs. Jusqu’à plus de deux heures du matin, les gars vont nous balancer un set de fous, ils sautent dans tous les sens, entrecoupé de break hardtek à faire frémir les free de France et de Navarre. Je sors de là totalement hallucinée, et d’ailleurs je me suis jetée sur leur album, que j’écoute en ce moment ! (Enter Shikari « Take to the Skies », chez PIAS)

A 3h30 du mat’ j’arrive chez moi fracassée, sourde, avec mal partout. C’était donc une bonne soirée ! Bien que je n’aie retenu que le côté Est de la soirée, je suis persuadée que Kruger a aussi eu son petit succès pendant leur set, même si je ne suis pas allée voir ce qu’il se passait. Au passage, deux groupes en ont profité pour faire leur promo : H-Tray et Eternal Tango, en offrant des Cd au public, et je ne manquerai pas de vous parler d’eux prochainement of course !

Leeloo.

Marilyn Manson, conférence de presse, 12 avril 2007, Paris

2007-04-15T14:50:00.000Z

C’est dans la salle du restaurant le Black Calvados que va se dérouler la conférence de presse. Initialement prévue dans l’Hôtel de Sers, juste en face, la rencontre du troisième type a lieu dans cet endroit qu’il apprécie particulièrement. Et on comprend rapidement pourquoi une fois à l’intérieur de la salle. Les murs sont noirs, les tables sont noires, les chaises sont noires, les rideaux sont noirs, et les cameramen venus en nombre pour filmer la conférence commencent à flipper. On n’y voit pas grand chose, malgré la ribambelle d’ampoules à faible éclairage alignée sur les murs. En ce qui me concerne, pas de soucis, je ne filme pas. Le dictaphone est calé, les piles à bloc, le bouton « Enregistrer » prêt. Commencent alors quelques longues minutes d’attente, de stress qui monte. Un téléphone sonne, celui de Delphine, l’attachée de presse qui organise la conférence, c’est le signal, Il arrive. Manson s’installe, un verre à la main, une dizaine de caméras braquées sur lui et autant de dictaphones sur la table. Une petite blague pour détendre l’atmosphère et c’est parti pour une vingtaine de minutes de question-réponse entre Manson et nous.

Quelles sont les influences de « Alice aux pays des merveilles » sur « Eat Me Drink Me » ?

En fait, ce n’est qu’en partie inspiré par « Alice ». Le concept d’être « consommé » par quelqu’un remonte pour moi au mythe du Christ. Un homme qui est devenu un symbole et ensuite une religion, qui est consommé par tous ceux qui croient en cette religion. Ce disque est le symbole de Marilyn Manson devenant humain pour la première fois. Disons que je veux être consommé par quelqu’un, ce qui est un très beau geste de sacrifice et de soumission dans une histoire d’amour. C’est une idée très romantique, au sens littéral du terme. Si je devais choisir une façon de mourir, je voudrais être dévoré vivant par quelqu’un dont je suis amoureux.

Où en est le projet de film Phantasmagoria ?

Il a été mis en suspend en octobre je crois, quelque chose comme ça. Le tournage était sensé se dérouler quand je travaillais sur l’album. L’année dernière, je crois que j’ai commencé à être agacé par le personnage que j’écrivais, qui devait être Lewis Caroll. En fait j’étais en train d’écrire sur moi. Je pense que c’est bien d’avoir une certaine distance avec le film, je vais pouvoir avoir une meilleure perspective. A ce moment là, le disque n’existait pas et je ne pensais pas que j’allais l’écrire, parce que j’étais dans une période où je ne voulais plus rien faire du tout. J’étais totalement perdu… je n’avais jamais été dans cet état là avant, et plus jamais je ne veux être comme ça à l’avenir. Dans cet album, on me voit renaître, on voit une histoire d’amour se terminer, et une autre commencer. Bien qu’il ne soit pas tant que ça basé sur ma vie personnelle, ce disque est quand même un moyen de comprendre ce qui m’est arrivé. Il y a une partie de moi dans ce disque car je l’ai écrit de manière immédiate. Dans le premier titre, quand je dis «Christmas morning 6 am » , c’est exactement le moment où j’ai écrit ce morceau, et je l’ai chanté le même jour. C’est à peu près de cette manière que fonctionne tout l’album.

On remarque de gros changements au niveau musical, quelles ont été vos influences pour la musique d’ « Eat Me Drink Me » ?

Il faut replacer les choses dans leur contexte, l’année dernière. En tant que chanteur, je n’arrivais à rien, à cause de ma relation. Je me suis mis dans une position où j’étais supposé changer ma façon d’être. J’ai l’habitude de vivre d’une certaine façon, assez différente à vrai dire, c’est simple : j’aime aller me coucher quand le soleil se lève et me lever quand il se couche. D’une certaine façon, c’est un comportement de vampire classique, pour moi c’est amusant, mais… quand j’ai eu à changer cette façon de vivre, à cause du mariage, j’ai eu l’impression qu’on me demandait de changer qui j’étais, et je n’avais plus envie d’être moi. Donc je n’avais plus envie de faire de la musique, et je suis presque arrivé à un point où je n’avais plus envie de vivre. Pendant cette période, j’écoutais par exemple Diamond Dogs (David Bowie), Ok Computer (Radiohead) et Purple Rain (Prince). Je pense que j’ai essayé de faire un album que j’aurai envie d’écouter, parce que d’habitude je n’écoute pas ma musique. Mais cet album là, je prends plaisir à l’écouter, parce que c’est le genre de musique que j’écoute en général. Il est plus mélodique, plus orienté sur la guitare et mon chant aussi est à un niveau supérieur. J’ai vraiment voulu chanter sur cet album, la musique a placé la barre assez haut, j’ai vraiment voulu être un bon chanteur sur ce disque.

Il y a de nombreux solos très complexes sur l’album, savez-vous déjà qui va être à la guitare pendant la tournée ?

Oui absolument. Tim Skold, qui a produit le disque avec moi et qui y fait la guitare et la basse aussi, va être sur la tournée. On a déjà un nouveau bassiste aussi, il s’agit de Rob Holiday, qui était avant dans The Prodigy et qui nous a rejoints à présent.

Si vous pouviez décrire l’album en trois mots, quels seraient-ils ?

Quatre ? EAT ME DRINK ME ? (rires) Non, sérieusement…Je lisais des livres comme « Lolita » ou je regardais « Bonnie & Clyde » pendant l’écriture de l’album, dans lesquels il y a un regard fatal et romantique ce que devrait être l’amour, c’est-à-dire, c’est tout ou rien. Et à l’époque, une relation amoureuse s’est terminée pour moi et j’ai commencé à regarder les histoires d’amour comme devant être tout ou rien. Quelqu’un doit être capable de se jeter devant une voiture par amour pour vous, et pas seulement parce que vous venez d’y monter.

Parler de vous personnellement dans vos albums n’est pas quelque chose que vous avez l’habitude de faire. Est-ce que vous avez déjà voulu le faire sans le pouvoir parce que cela ne collait pas au concept des albums ?

Je sais que dans le passé, je me sentais restreint à certaines choses que j’étais supposé écrire, directement parce que cela pouvait affecter les gens qui se trouvaient autour de moi. EMDM est le disque où je me suis senti le plus libre, où je pouvais dire normalement ce que je ressentais. Mais ce disque est aussi une tentative de séduction, j’ai voulu l’écrire à la manière d’une performance live. Il y a plein de gens autour de moi quand je suis sur scène à qui j’essaie de faire ressentir quelque chose. Avant, quand j’écrivais un disque, je mettais tout le monde dehors, alors que là, même quand j’enregistrais certains morceaux, il y avait des gens avec moi et je leur jouais les chansons. D’ailleurs, la majeure partie des chansons, je les ai enregistré allongé sur le sol, c’était assez confortable comme ça !

Vous avez changé d’identité musicale sur cet album, qu’en est-il de votre identité visuelle ?

Est-ce que vous voulez parler de la taille de mon pénis ? (rires) Pardon il fallait que je la fasse celle-là ! Je pense que cette tournée va être plus théâtrale que la précédente. J’aimerai que cela soit centré sur moi en tant que chanteur, en tant que performeur. A la minute où j’ai écris « If I was your vampire », j’ai tout de suite su que ça serait la chanson d’ouverture du spectacle, la première chanson de l’album également. J’essaie juste de redevenir à l’aise à être Marilyn Manson, peu importe ce que ça pourrait être, mais c’est juste ce que je suis. Je ne sais pas si j’ai bien répondu à votre question, mais si vous essayez de me dire que je suis canon, je suis d’accord avec vous ! (rires)

Comment pensez-vous que vos fans vont réagir à la nouvelle direction que vous semblez prendre ?

Je pense qu’il est difficile de déterminer la définition de fans, sauf que j’ai voulu amener les gens avec moi dans cette direction. Alors pour moi ce sont les gens qui ne m’ont jamais aimé, les gens qui ne n’ont jamais écouté ma musique ou encore les gens qui ont une certaine idée de moi et qui découvrent que j’ai changé. Ma principale intention était de convaincre les gens de ma sincérité, et de la nouvelle force que j’ai trouvée en écrivant ce disque. Ce disque m’a pour ainsi dire sauvé, s’il n’existait pas je n’existerais plus.

Etait-ce Ginger qui assurait la batterie pour l’enregistrement de l’album ?

Oui tout à fait, mais ce disque est surtout une étroite collaboration entre Tim Skold et moi, et aussi une vraie intention de ma part de faire sonner ce disque comme la performance d’un groupe en live. Et ça, ça a été la partie facile pour moi, le pus dur a été de chanter. Je n’y suis pas arrivé jusqu’en octobre, je n’arrivais à rien jusqu’à ce que finalement je chante la première chanson, qui a du être « Just a car crash away », et à partir de là, tout est sorti d’un coup, et c’est enfin devenu facile pour moi. Ca a été dur mais c’est arrivé plus vite que jamais.

Pouvez-vous nous parler un peu plus du single, son histoire, ce qu’il signifie pour vous ?

J’ai écrit la chanson alors que je lisais « Lolita », et à cette époque j’étais très proche d’Evan Rachel Wood qui est ma petite amie maintenant. Un jour, elle est venue me voir et elle portait des lunettes en forme de cœurs, comme Lolita, et c’est ainsi qu’est née la chanson, un peu comme pour toutes les chansons de l’album. C’est une sorte de pointe humoristique par rapport à des commentaires qu’ont fait certaines personnes du fait qu’elle soit beaucoup plus jeune que moi. J’ai réalisé le clip moi-même, dans lequel j’utilise une technique 3D empruntée à James Cameron. Pour le moment c’est plutôt un court-métrage, je ne sais pas encore ce qu’il va en ressortir. Il est déjà assez controversé parce qu’il y a un contenu considéré comme pornographique. J’ai voulu qu’Evan soit dans le clip, mais en tant qu’actrice, et je la respecte en tant que telle.

Quand « Antichrist Superstar » est sorti, vous aviez déclaré que cela serait toujours un travail évolutif, pensez-vous que peut-être ce nouvel album est une manière de montrer un antéchrist grandi, qui a vécu au coté des humains et ressenti le plus puissant des sentiments, l’amour, et qui raconte ce qu’il a ressenti ?

Quelqu’un m’a dit hier, que le monde entier avait essayé de me détruire et que la seule chose qui m’ait vraiment rendu faible c’est les femmes. Je crois que cela fait parti du mythe du vampire, qu’on ne peut détruire qu’en le poignardant en plein cœur, alors c’est peut-être la même chose pour moi. C’est amusant que ce disque au final semble me montrer plus mature parce que je suis arrivé à un point de ma vie où je suis supposé être plus mature, plus adulte, plus responsable, être marié, ce genre de choses, qui ne fonctionnent pas pour moi. Je suis en fait plus immature, enfin juste moi, alors on peut peut-être parler d’expérience. Mais j’ai fait une peinture que j’ai appelé « Expérience est la maitresse des fous », je suis aussi un peu contradictoire. Mais si « Antichrist Superstar » est un travail évolutif, c’est définitivement une partie de tout ça, d’une manière assez étrange.

Pouvez-vous nous donner quelques détails sur la prochaine tournée ?

A part dire que Tim Skold sera à la guitare, et qu’il y aura aussi d’autres surprises dans le line up, que la première chanson sera « If I was your vampire », mais rien n’est décidé encore… Je vais faire en sorte que cette tournée soit aussi théâtrale que « Mechanical Animal ». Pour la partie US, on a choisi de jouer avec Slayer, ce qui est très inattendu. Vous savez quand j’étais petit il y avait ce livre « Satan est en vie et il vit sur terre », et cette tournée sera un peu une quête pour le localiser. Je souhaite faire ressortir l’obscurité qui est en moi.

Merci encore à Delphine et Noémie de Webpromo

Marilyn Manson, pré-écoute Eat Me Drink Me, 2007

2007-04-15T14:48:00.000Z

Exercice très difficile que d’écrire sur un album que l’on a entendu qu’une seule fois. Impossible de réécouter quelques titres, de noter les détails ou d’explorer plus en profondeur. Pourtant c’est bien ce qu’il va falloir que je fasse pour te décrire, cher Lecteur de Santagore, le dernier Manson, « Eat Me Drink Me », dont la sortie est annoncée officiellement pour le 4 juin prochain.

Première chose à dire : cet album est une tuerie, une claque, un retour en grandes pompes (noires of course) du Révérend parmi nous. Tout le monde avait remarqué la faiblesse de « The Golden Age… », mais là pour le coup c’est la réconciliation avec un Manson créatif, humain et surtout très sombre.

Exploration de nouveaux genres plus rock, plus gothiques, voire presque british, des sonorités que l’on n’a pas l’habitude d’entendre chez Marilyn Manson, et ce thème de l’amour dévorant omniprésent sur tout l’album qui surprend lui aussi. Alors, procédons par ordre, présentation des 11 titres du CD.

Tracklist :

01. If i was your vampire
02. Putting holes in happiness
03. The red carpet grave
04. They Said That Hell’s Not Hot
05. Just a car crash away
06. Heart-Shaped Glasses (When The Heart Guides The Hand)
07. Evidence
08. Are you the rabbit ?
09. Mutilation is the Most Sincere Form Of Flattery
10. You and me and the devil makes 3
11. EAT ME, DRINK ME

01. « If I was your vampire », LE morceau d’ouverture. Plus de huit minutes de musique, décrit comme le titre « épique » de l’album. Une intro assez calme, un murmure « 6 AM Christmas day », une batterie, l’ambiance est posée, on va pas se marrer. Puis un refrain de malade est asséné par le sieur Manson. « If I was your vampire » est sombre, lourd, c’est un nouvel univers dans lequel nous emmène Manson et on aime ça.

02. Le second titre est encore plus surprenant. Une mélodie « pop-rock », j’arrive pas à trouver d’autres termes, une rythmique entraînante, Manson continue d’aller là où on ne l’attend pas. Ce morceau m’évoque quelque chose de sexy musicalement, du rock presque dénudé et on découvre les solos très techniques de Tim Skold, miam !

03. Sur ce titre ce qui m’aura le plus marqué, c’est le rythme, quelque chose de très inhabituel chez Manson. Impossible de le décrire précisément, si ce n’est en le comparant à une valse à trois temps mixée rock ! Un morceau presque joyeux (j’ai dit presque), mais avec un final bien violent.

04. Celui-ci est une sorte de balade rock/trash, la guitare reprend ces sonorités bien différentes auxquelles on a le droit depuis le début de l’album. Et toujours les solos qui ponctuent le morceau, du synthé aussi (pour la première fois depuis le début). Manson donne de la voix, c’est qu’il chanterait presque. « This is another funeral, another girl left in tears », nous dit-il, amour et mort sont étroitement liés sur cet album.

05. « Just a car crash away », c’est pour moi, le “Speed of Pain” dark. Un morceau doux, une voix lointaine, tout comme les instrus. Au refrain, Manson explore vocalement des aigus peu visités jusqu’à présent, il chante, il pleure presque, sa voix rajoute de la tristesse au morceau. Je noterai le côté blues de la guitare par moment, et évidemment le solo de Skold, qui se lâche décidemment sur tout le disque. Un régal.

06. Allez, le single ! « Heart–shaped glasses », ou « Lunettes en forme de cœurs », un trip rock, pop, goth, une chanson d’amour noire, d’innocence pas si innocente que ça, sur un rythme très saccadé. « Don’t break don’t break don’t break my heart or I’ll break your heart-shaped glasses », un morceau enfantin par moment, entrainant surtout.

07. Un morceau que je qualifierai d’intéressant, la basse frappe lourdement, et on nous offre de la disto à gogo. Le titre est plutôt rock, on sent un Manson moins enragé vers le monde mais beaucoup plus introspectif, et c’est valable pour tout le disque, pas que pour ce morceau. Gros coup de cœur pour la montée en puissance au moment du refrain final.

08. La chanson commence avec un claquement de doigts, puis arrive une guitare. Le son est plutôt sec, martelé, les angles ne sont pas arrondis. On commencerait presque à s’y habituer lorsqu’arrive une claque bien puissante et lourde. Encore un morceau avec des influences blues (enfin je me comprends) et avec son lot de solos (jeu de mots Ramucho).

09. Sur ce titre, retour du rythme qui m’avait marqué tout à l’heure, la guitare estt encore et toujours moins enrobée, c’est très rock’n roll tout ça. Manson répète des « Fuck you » dans tous les sens, on s’énerve un peu, un bon morceau.

10. « You, me and the devil make 3 », un morceau sombre, gothique à souhait, avec une voix qui plane et qui s’envole à la fin. Une complainte presque.

11. Enfin arrive le dernier morceau, la clotûre. C’est sombre, enfumé, enbrumé, la voix de Manson, grave chante tristement. Dommage que ça soi déjà fini… !

En résumé, « Eat Me Drink Me » signe le retour de Manson dans le monde des humains, pas très en forme puisqu’il a découvert l’amour et la douleur qui va avec. L’album en tout cas a fait l’unanimité parmi les personnes présentes à la pré-écoute, reste à voir la réaction du public, chez les fans de la première heure comme les néophytes, Manson va encore faire couler beaucoup d’encre !

Liens utiles...

http://www.mansonfr.com/
http://www.mansonlegion.com/

Merci à Noémie et Delphine de Webpromo.

Marcel et son Orchestre, E=CM2

2007-04-06T06:22:00.000Z

1. Qu’est-ce qu’il a de plus que moi
2. Bonne fête maman
3. Nadia
4. Pire qu'une démangeaison
5. La famille Ingall's
6. Un prénom pour la vie.
7. Soirée Ferrero
8. Sophie
9. Discommissariat
10. Sans t'en apercevoir.
11. Les mains dans le dos.
12. La gomme magique
13. CO²

Huitième galette des Marcel, et dernier album studio depuis « Un pour tous… », « E=CM2 » est l’occasion pour les boyaux rouges de nous rappeler de ne pas nous prendre au sérieux.

« Nous avons tous dix ans et demi, profitons-en pour faire les cons » semble être le message principal des bonshommes, et cette parole d’évangile selon St Mouloud et les autres apôtres est à respecter, à tout prix, mes bien chers frères et sœurs, sous peine de finir dans l’Enfer de l’Ennui. (Oula ça fait trop peur !)

La grand messe du délire commence avec le premier morceau des Marcel qui passe sur une radio nationale (à ma connaissance),Rires et Chansons « Qu’est-ce qu’il a de plus que moi ». Aux sonorités rock et punk qui résonnent et à la gratte qui sature, on se retrouve en terre d’asile, on sait où on est et ça fait plaisir. On est bien chez les Marcel, qui nous accueillent à coup de cuivres, de ska, de rock et c’est tout ce qu’on aime.

Oui, le style des Marcel ne change pas avec les années, on retrouve toujours autant de festivité, d’amusement, de jeux de mots Ramucho, de références à la politique, la France, les cons…mais en 20 ans de carrière et des millions, que dis-je des milliards !, de spectateurs en concerts, les Marcel n’ont aucune raison de changer quoi que ce soit. On leur en voudrait de faire autre chose de toute façon !

« E=CM2 » c’est donc 13 plages de musique ensoleillée, de textes qui frappent là où il faut, de Danse, Déconne et Dénonce. Parmi les morceaux qui vont devenir des tubes du hit parade, je vous conseille vivement « La famille Ingall’s » ou la révélation que Marine Le Pen est en fait une descendante de Nelly Holson (d’où le refrain « La jeunesse emmerde Nelly Holson ! »). On aimera aussi « Soirée Ferrero », dans lesquelles il est de bon ton aujourd’hui de se la jouer VIP, ou encore « CO2 », appel urgent à se réveiller pour sauver la planète. Cette dernière chanson a d’ailleurs été reprise par Greenpeace comme hymne lors de manifestations « Pas de planète sans casser de CO2 ». Marcel toujours aussi engagé, toujours aussi con et toujours aussi vrai.

Ce huitième opus est une fois de plus la preuve que Marcel peut passer par tous les styles (rock, punk, calypso, disco, funk…) tout en restant fidèle à lui même et en ravissant les oreilles de son public. A écouter le matin pour bien se réveiller et surtout le soir en live pour bien se déchaîner, « E=CM2 » ne sort peut-être pas des sentiers battus mais a le mérite de ne pas se prendre au sérieux. On rigole sur la pollution, sur les cons, sur les sectes, sur le F-Haine, parce qu’il vaut mieux en rire qu’en pleurer… Et comme le disais Alphonse Allais : « Le rire est à l'homme ce que la bière est à la pression » Amen.

Leeloo

Review du concert à Châteauroux :

Jeudi 15 mars, Bulle de Belle-Isle, Châteauroux, Indre. Pas trop de monde pour le concert des Breuvachons et de Marcel et son orchestre, mais quand même.

Les Breuvachons, c’est LE groupe myhtique de la région, qui mélange musique traditionnelle avec de la sauce moderne et du chant à la punk. Je comprends vite que tout le monde ou presque est venu pour les supporter, en plus ce soir ils enregistrent leur premier DVD live et présentent leur second album « Définitivement Breuv’s ». Et c’est parti pour une heure et demie de première partie, de vielle à roue, de cornemuse, de flutiau, de basse et de gratte, entre autres. Le style des Breuv’s est original, mais manque de guitare saturées à mon goût. En tout cas l’énergie est là. Mais, le concert, je ne l’apprécierai qu’à moitié : la sono n’est pas top, on ne comprend rien de ce que dit le chanteur, pour les néophytes comme moi c’est pas toujours évident. Mais pour leur public, venu en masse c’est que du bonheur, du pogo et de la danse bras dessus-bras dessous. Fin de la première partie, je n’en crois pas mes yeux. La fosse se vide, la moitié des gens s’en vont, ils ont vu les Breuv’s c’est tout. Tant mieux pour moi, je serai plus à l’aise pour jumper ! Arrivent enfin les fous-furieux déguisés, et c’est parti. Une heure et demie presque deux de show, de pogo, de titres cultes et de nouveautés, bref, un putain de concert ! (pardon maman : je voulais pas dire de gros mots.) Parmi les grands moment que je retiens, tout le monde assis pour que Mouloud nous raconte que Marine Le Pen est une Holson, la farandole dans tout le public avec Bouli « la danse la plus conne du monde », les grands classiques qui déchainent tout le monde « Les neurones à crête », « Les médiseuses », « René » et j’en passe. Bref, on sort de la épuisé et repus, avec la banane, entre un sentiment de félicité humoristique et les courbatures de rigueur, signes d’un concert bien réussi. Et puis on rentre à moitié sourd, encore mort de rire, ça c’est bon signe. Alors, par contre attention Marcel, Châteauroux c’est dans le Berry pas dans le Loir-et-Cher, vous avez failli vexer les berrichons indépendantistes !

Merci à Peggy pour son accueil, et à V2 et Méso.

Tasmaniac, Le temps c'est l'envie, 2007

2006-12-27T21:01:00.000Z

1/ Le temps c'est l'envie
2/ Chaud
3/ Capitale Hystérie
4/ Barbie Funky
5/ Gestapolice
6/ Introspection
7/ Erotic Dream
8/ Tout le monde
9/ Trauma
10/ Roi des cons
11/ Tu bouges trop
12/ Tasmaniac Crew
13/ La vie est toujours belle

2007 sera définitivement l’année pour les Tasmaniac. Nouveau line up, nouvel album, nouvelle structure management (Jaspir Prod), clip dans la boîte pour bientôt, tournée du feu de dieu…bref, si on n’en entend pas parler…je me mets à la dance music.

Et comme les Tasmaniac, je les aime très fort, ils me le rendent bien en me donnant l’occasion de parler de leur nouvel opus en exclu, environ deux mois avant sa sortie ! (Petite veinarde que je suis !) Me voici donc en présence d’une nouvelle petite bombe de rock, de funk, de métal, de ragga, de Tasmaniac quoi !

Ce deuxième album témoigne évidemment de la volonté des quatre musiciens d’aller encore plus loin dans leur attitude déjantée, dans leur son de malade, et dans leurs ambiances funky-groovy-rock. Mais ce n’est pas tout. On les sent plus matures, plus expérimentés, plus expérimentateurs, plus brutes aussi. Bref, le premier album donnait la patate, celui-là met la frite. (Mon dieu que quelqu’un me censure pour cette vanne infâme !)

Premier morceau, « Le temps c’est l’envie » met les choses au clair tout de suite, on est bien avec les Tasmaniac. On retrouve ce son bien funky, bien sec, la voix de Benoît, qui passe toujours du hurlement au chant en passant par le style ragga à la Sean Paul avec une facilité déconcertante, la guitare de Kik Mastan qui impose la nouveauté tout en gardant la griffe Maniac, la basse de Laurent Pumpo qui tape toujours autant et enfin la batterie de Jean Joly, qui rythme le tout avec puissance. Exploration aussi de nouvelles tonalités, plus lourdes, de nouvelles rythmiques le tout pour continuer de faire jumper les foules et ça va marcher, je le sais !

Niveau paroles, les maniacs se déchaînent toujours autant sur notre société, sa bêtise, celle de ses habitants, que ce soit le stress et la pression que certains se foutent pour rien (Le temps c’est l’envie), les pouffs à qui l’on succombe (Barbie Funky « Elle est belle, elle est bonne, dommage qu’elle soit conne » !), la police, les gens trop à droite (Chaud), tout y passe! Et c’est ce qu’on aime car les textes, en apparence drôles et désinvoltes, cachent souvent une bonne réflexion et une analyse juste de ce qui se passe chez nous et autour de nous en ce moment.

En gros, le deuxième album des Tasmaniac, dont la sortie est prévue pour Février prochain, c’est pas l’écouter qu’il faut faire mais c’est l’acheter, le faire tourner en boucle partout, tout le temps et surtout, aller se défouler comme des malades dans la fosse pendant les concerts !

Big up pour la piste 12 : Les Maniac la jouent gangsta rockers en donnant « Rendez-vous sur le ring » à Douze 33 et Troides Priamus Hecuba qui sont ouvertement déclarés la proie du Tasmaniac Crew ! Ca sent le règlement de compte dans le 6-9, à suivre !

Et toujours pour le plaisir, la dernière chanson acoustique, tout en ironie, accordéon et gratte sèche à l’appui. C’est un pur bonheur !

Rendez-vous en février.

Blacksmith, démo, 2006

2006-12-27T18:54:00.000Z

1/Ascension
2/Braveheart
3/Pharaon

Tu aimes le heavy métal ? Tu aimes les années 80, les sons old school à la Maiden, Saxon et confrères ? Blacksmith c’est pour toi !

Formé en 2003, Blacksmith c’est cinq fans de heavy qui ont fini par s’y mettre eux aussi, et le résultat est très bon : une première démo trois titres au son et à la technique très pro, trois titres purement heavy qui feront remuer des cheveux longs dans les pogos !

« Ascension », premier morceau commence comme un Saxon des plus énergiques, la comparaison est souvent faite aux messieurs mais la ressemblance est probablement totalement assumée. Et en effet, on retrouve de ça, des sons rapides, des chants mélodiques, de la grosse batterie qui galope et de la basse qui tambourine derrière. Mais c’est bon, les amateurs du genre apprécieront. Classique et en même temps c’est ce qu’on veut.

« Braveheart », c’est le moment où Mel Gibson arrive en kilt et se jette en slam sur la foule. Un morceau limite épique, en tout cas, rythmé et aux solos bien placés. Le chanteur laisse découvrir un petit côté american style dans sa voix, un arrière goût de country énervée, mais qui reste tout de même heavy jusqu’à la mort !

Enfin on conclu sur « Pharaon », dernier volet de la première trilogie musicale de Blacksmith, un morceau de 6 minutes de son lourd, mélodique, technique, presque hallucinant. On imagine facilement les gratteux la jouer « c’est trop fastoche » alors que les enchaînements de notes sont très rapides. Du heavy quoi !

Alors Blacksmith c’est pour toi, le jeune, qui veut retrouver les frissons que ton grand frère a connu dans les années 80, alors que t’étais même pas encore né. Aujourd’hui cette démo reprend sans prétention les bases du genre, se les approprie et en fais un son, celui des Blacksmith. Mon seul regret, c’est qu’ils n’ont pas gardé la coupe de cheveux de l’époque…j’aimais bien les chevelus !

A venir, un album 10 titres.
www.blacksmith-online.com

Stalefish, Ersatz, 2006

2006-12-27T18:53:00.000Z

1/Un souffle
2/L’ennui
3/F.J.
4/Ghrrr

Stalefish, un groupe d’Aix-les-Bains en Savoie, existe depuis 1998, huit ans donc que les trois musicos traînent leurs guêtres et leurs amplis sur les scènes de Rhône-Alpes en particulier. Dotés auparavant d’un accordéoniste, Stalefish revient avec une nouvelle composition, DES nouvelles compos, et avec cette démo, Ersatz.

Ersatz comprend quatre titres, qui ma foi, ne sont pas mauvais. Bien que le son de la démo ne soit pas top mais en même temps c’est une démo donc on ne leur en veut pas, les quatre morceaux sont assez sympathiques, agréables à écouter.

On y retrouve des rythmiques musette, du son sec bien trash, des hurlements métalliques, bref tout ce qui fait que ce groupe ne devrait pas rester dans l’ombre trop longtemps, enfin on l’espère.
Mathieu à la batterie, Jérémy à la guitare et Yannick au chant, trois gaillards qui ont pour but de révolutionner les barrières de la musique à coup d’accordéon, de saxophone, et de morceaux bizarroïdes qui rappelleront parfois les instru à la Flying Pooh. Les sonorités jazzy qu’apporte le saxophone donnent une toute autre écoute du trash qu’ils nous offrent. C’est différent et c’est pas plus mal.

Le dernier morceau (« Ghrrr ») laissera songeur, et une impression d’être dans un polar russe dans les années 60, avec la gueule de bois, et de continuer à s’enfiler des vodkas pour mieux retrouver Nathalie.

Stalefish, c’est pas commun, c’est éclectique, c’est rock et c’est tout !

No Recess, What a beautifull Slum, 2006

2006-12-27T18:52:00.000Z

1/Doll
2/S.N.F (Saturday night fucker)
3/Big Liar
4/Five
5/Hurry up

Grunge is not dead, les amis, je le savais ! No Recess, trois garçons une fille, des tonnes de possibilités…musicales et surtout une deuxième démo qui dépote. « What a beautiful Slum » est une petite bombe d’énergie, de grunge, de rock et de voix rauque qui s’égosille.

Après un premier essai démo avec le maxi 4 titres « Invisible Fist », le groupe enchaîne les scènes et sort aujourd’hui ce nouvel EP. 5 titres dans un style que le groupe nomme « vintage grungecore », sorte de grunge à la sauce 2006, nous sont servis sur la galette.

Le premier morceau « Doll » va peut-être dire quelque chose aux lecteurs belges de Santagore (si ça va jusque là !), puisque No Recess a gagné le concours Puredemo et a donc été diffusé sur les ondes du plat pays, mais aussi, en France sur le Mouv’. Parlons du morceau d’ailleurs : une ouverture comme il faut, en énergie, en cris, le chanteur a un petit quelque chose de Distillers dans la voix, sans pour autant être une copie. No Recess c’est une sorte d’hommage à tous ceux qui ont fait vibrer des générations de rockers depuis les 70’s, sans être une imitation de Nirvana ou Silverchair.

Les autres morceaux sont aussi pas mal, surtout « Hurry Up », qui clôt le maxi, mais aussi « S.N.F (Saturday night fucker) » rien que pour le titre !!

Musicalement, le groupe a beau n’avoir que trois ans d’existence dans les pattes, il promet déjà pas mal de bonnes choses. Les riffs et solos sont bien maîtrisés, la création est originale et dynamique et le chant semble s’élever d’outre-tombe.

No Recess est définitivement un groupe à suivre, qui, quand il aura atteint un peu plus de maturité, va faire des ravages. En tout cas, « What a beautiful slum » est un maxi qui donne envie de voir ce que donne No Recces sur scène.

fago.sepia, L'âme sûre ruse mal, 2006

2006-12-27T18:51:00.000Z

1/Six
2/Neuf
3/Trois
4/Huit
5/Cinq
6/Sept

Bien étrange nom que celui de fago.sepia… Bien étrange musique que celle de fago.sepia…Sorti tout droit de l’esprit de quatre musiciens rennais, le premier album de fago.sepia, « L’âme sure ruse mal » (appréciez le palindrome) est une sorte d’ovni musical très appréciable malgré tout.

Leur style jazz rock est assez peu commun, et ici, c’est de l’instrumental pur, pas de chant. On se retrouve alors face à une sorte de musique d’ambiance, tantôt sombre, tantôt légère, qui emporte l’esprit assez loin.

Les musiciens peuvent se vanter d’être bons. Le batteur passe allègrement de rythmiques pop rock à celles beaucoup plus « aléatoires » du jazz sans pour autant être inaccessible. Les guitaristes et le bassiste, quant à eux offrent une technique incontestable et des mélodies sympathiques, reposantes, prenantes, en tout cas différentes de tout ce que l’on peut entendre d’habitude. Fago.sepia est un groupe qui fait triper, un point c’est tout !

Les 6 morceaux de l’album sont longs (plus de trois minutes en tout cas), permettant de découvrir toute la palette musicale de fago.sepia, d’entrer dans leur univers et de le visiter, pièce par pièce.

Un concept assez intriguant que celui de nos rennais, avec une musique, des titres et un visuel étrange et qui toutefois attirera le public, ne serait-ce que par curiosité.
En tournée actuellement, ils passeront forcément près de chez vous.

Info, dates, explications … http://fago.sepia.free.fr

Draft, Slow Motion Suicide, 2006

2006-12-27T18:50:00.000Z

1/Failure of Dialectic
2/Anus Mundi
3/Drunk and lost in L.H.
4/Interlude
5/Slow motion Suicide
6/Balistos of loneliness
7/Xanax and Alcohol helped me to get there
8/Social entropy
9/Love is a black Orchid
10/Spleen

Draft, groupe originaire du Havre, avait déjà sorti une première galette, en 2002, « Stockholm Syndrome ». Quatre ans, une tournée, et quelques tremplins remportés plus tard (dont Onde de Choc/ Roadrunner), Draft revient avec un premier album, qui tourne actuellement dans mes oreilles.

Ce suicide au ralenti n’est pas un suicide musical. Draft se définit comme un groupe d’ « émocore intense et de rock’n roll furieux ». N’étant pas adepte du terme émocore, auquel je n’ai jamais su donner un autre sens que ce lui de « j’ai mal à la vie », je ne peux pas les contredire sur l’appellation.

Musicalement, on retrouve effectivement du hardcore (douloureux), du rock, du rythme et des riffs qui donnent envie de se jeter les uns contre les autres dans un grand fracas de haine et d’amour entremélés.

Slow Motion Suicide est, ça c’est sûr, un album sombre. La musique de Draft n’est pas celle qui vous redonnera le sourire quand tout va mal, mais de celles qui feront sombrer encore plus, histoire de bien remuer les tripes et le cerveau. Quand on arrive à la fin de l’album, on a froid, on a chaud, on est mal, on ne sait plus trop…on sait juste qu’on en veut au monde entier, qu’on a mal.

Vocalement, le chanteur, Jean-Marc chante aussi bien qu’il hurle violemment sa haine et son cynisme. Les musiciens eux ont un son sec, direct et brutal. Les notes se décrochent les unes de autres, frappent les oreilles et l’âme pour mieux ouvrir le chemin aux paroles du chanteur.

On notera des morceaux intéressants comme « Slow Motion Suicide », « Xanax and alcohol helped me to get there » ou « Love is a black Orchid ».

Pour les amateurs de torture mentale en musique, cet album une bonne B.O. à toute introspection douloureuse au fin fond de soi même. A écouter mais ne pas en abuser si l’on veut en sortir indemne.

Lacuna Coil, Karmacode, 2006

2006-12-27T18:48:00.000Z

1/Fragile
2/To the Edge
3/Our Truth
4/Within Me
5/Devoted
6/You Create
7/What I see
8/Fragments of Faith
9/Closer
10/Invisible Light
11/The Game
12/Without Fear
13/Enjoy the Silence

Sorti il y a quelques mois, le dernier opus de Lacuna Coil a finalement fini par faire parler de lui chez moi. (Eh oh ça va ! C’était les vacances pour tout le monde !) Très attendu au tournant suite au succès de « Comalies » et à l’ascension des groupes métal « avec-une-fille-dedans », on était en droit de se demander si Lacuna Coil allait emboîter le pas à Evanescence et se lancer dans du rock-métal radio…

« Karmacode » fait effectivement penser un tantinet à ce type de rock MAIS, les italiens ont su bien garder leur style, avec des riffs bien appuyés, des mélodies travaillées sans pour autant tomber dans la pop.
L’ouverture de l’album avec « Fragile » pourrait en effrayer certains, mais qu’ils se rassurent, c’est bien eux, et puis finalement ça sonne bien. On avance dans le disque et l’univers s’assombri un peu. Les sonorités orientales ajoutent un peu d’originalité aux morceaux.
Les deux chants sont habilement mélangés, Cristina étant toujours aussi envoûtante et son acolyte Andrea, toujours sombre et prenant.

Les mélodies sont bien travaillées sans pour autant être trop aplaties par la production, ça reste du métal mélodique, sombre, gothique, nostalgique, mélancolique…. On aimera particulièrement la brutalité des rythmes sur « What I see », l’ambiance électrique de « To the Edge » ou encore, et la dédicasse à Depeche Mode avec la reprise d’ « Enjoy the Silence », à la sauce Lacuna Coil, qui donne une belle nouvelle vision de ce tube 80’s, qu’on irait jusqu’à préférer au remix de Linkin Park… Enfin, le single « Our Truth » qui accompagnait la promo de l’album un peu partout dans le monde est bien appréciable, bien que ce ne soit pas le meilleur morceau.
« Karmacode » est donc un nouveau pari gagné par Lacuna Coil. En attendant de les savourer en live vers chez nous, la galette va tourner dans de nombreuses platines. Bonus : le CD comprend une partie multimédia avec photos, liens web et surtout clip de « Our Truth » et « An on the Road Movie », sorte de docu en musique sur la dernière tournée.

Rocketface, Eponyme, 2005

2006-12-27T18:46:00.000Z

1/Hats Off
2/Pack of Lies
3/Dirty
4/To Take You Home
5/Lit
6/Death Never Dies
7/Change
8/High Time
9/Black Out
10/Once You Were Alive
11/Falling Down
12/We’ll Meet Again

Tout droit venus de Toronto, les trois amis de Rocketface nous envoient dans la tronche un bon disque purement rock’n roll.
Joseph Janisse (batteur et chanteur), Ray Zilli (guitariste) et David Markham (bassiste) débarquent dans nos oreilles françaises avec un premier album éponyme qui promet de les faire décoller sur le vieux continent.

Le disque commence fort, avec « Hats Off », grand moment de rock, entraînant, prenant, et rythmé qui donne tout de suite envie de voir ce qu’ils nous cachent dans les autres pistes. Et on est pas déçu ! « Dirty » c’est le même genre de trip rock pur et dur qui donne envie de faire péter les Converse et de twister sauvagement sur les dancefloor. Attention, Rocketface n’est pas du rock oldies, mais il en a la puissance, le rythme et procure un effet identique. On oublie tout, on a la pêche, on danse et on chante, parce que c’est bon de vivre !

On prendra des pauses ballades, avec par exemple, « Pack of lies » ou « Lit ». Des chansons plus calmes mais à la guitare toujours saturée et au solo sympa. La voie de Joseph Janisse fait étrangement penser à un croisement entre Billy Corgan, Thome Yorke et Mike Jagger…et ça sonne bien. Il sait garder son identité vocale malgré les ressemblances.

Instrumentalement, Rocketface n’est pas au summum de l’excentricité, le trio joue dans le combo classique guitare-basse-batterie qui suffit à faire jumper les foules. Le guitariste ne nous laisse pas sans quelques solos du feu de dieu, très bien gérés et bien calés. Quant au bassiste, il ponctue bien la rythmique et ajoute un peu de profondeur aux morceaux.

On écoutera aussi les paroles de leurs chansons, qui ont toutes un petit quelque chose de vrai et drôle. Dans « Hats Off » c’est l’argent et ce qu’on ferai pour lui qui est chanté, dans « Change », la gloire…à vos dicos !

Merci au Canada qui, après Céline Dion et Roch Voisine, se décide enfin à nous envoyer un groupe de rock et du bon en plus !

Tremplin Eurockéennes 2006 : En route vers la gloire !

2006-12-27T18:41:00.000Z

Cette année encore, l’incontournable festival de Belfort fait son tremplin et offre à des groupes de Franche Comté, Lorraine, Alsace, Bourgogne, Suisse et d’ Allemagne de jouer sur les scènes du festival. Mais qui sont les heureux élus de cette année ? Et surtout, que nous proposent-ils ?

Grâce à mes connexions à un réseau international de connaissances diverses et variées, j'ai réussi à obtenir en exclusivité (genre !) une petite compil’ des 8 groupes du tremplin 2006, suspens… !

Du côté de nos amis teutons, on trouve My Baby wants to eat your pussy , qui nous chante le morceau « So Deep ». Rien qu’au nom du groupe, on se dit « Ok, ça va être marrant », mais c’est aussi musicalement viable ! Les MBWTOYP nous jouent une sorte de rock steady pépère, entraînant et teinté de sonorités pop. Un mélange intéressant qui donne envie d’en savoir plus.
www.mybabywantstoeatyourpussy.com ( Attention, pour les non germanophones, au début ça fait peur mais ensuite y’a une version en anglais ! )

Ensuite, on passe à autre chose, du hip hop Alsacien. Non, c’est pas du rap sur les flammenküschen…bon ok je sors.
Allez trêve de balivernes, Last Minutes et son titre « Lifestyle » représentent le H.I.P H.O.P de l’Alsace. Malgré le fait que je ne sois pas grande connaisseuse de ce style de musique, je n’ai rien contre Last Minutes, mais il manque encore quelque chose … dommage, en tout cas on leur souhaite de bien se débrouiller au tremplin ! On sent tout de même qu’ils ont envie d’aller loin et qu’ils vont y arriver.
www.lastminutesband.com

En Franche-Comté, on déconne pas avec le rock ! Hellbats, avec leur son « punk-heavy-bourrin » feront bien pogoter les festivaliers ! « Heavy Rockers » les présentent bien, dommage que le son ne soit pas optimal, parce que ça doit bien envoyer le pâté comme on dit dans le Bouchonnois ! En tout cas un groupe à écouter et pour qui se remuer s’il vous plaît !
www.hellbats.com

Benjie, avec sa grosse voie, rape en Allemand et chante « Mach’s laut ». Du rap/ragga allemand, c’est pas commun, mais ça a son charme ! Toujours pas amatrice du genre, je ne saurai que dire sur Benjie, si ce n’est qu’il a quelque chose de charmant et qu’il doit bien convaincre sur scène !
www.benjie.de (eh oui c’est encore en allemand, mais c’est bien fait et compréhensible vous en faîtes pas ! Et puis c’est drôlement joli !)

Jack & the bearded fishermen (Jacques et les poissonniers barbus, j’adore traduire quand c’est drôle !) présentent leur morceau « Mineapolis ». Eux aussi venus de Franche Comté, ces joueurs de death-country (eh oui, ce sont des cow-boys de l’enfer quoi !) promettent un bon set vu l’ambiance totalement bizarre qui règne dans leur morceau. La voie death et les guitares plutôt rock’n roll, donnent un mélange savoureux, une ambiance sombre, j’adhère !
www.vouhvoue.org/jack

Allons ensuite faire un tour en Lorraine avec Le crapo des marais. « La limace », une chanson entre du Stupéflip en pleine montée d’acide et du Billy ze Kick et les Gamins en Folie plus rock ‘n roll ! Oui ça fait bizarre, ça fait rire, ça fait peur mais on aime quand même ! Ce groupe semble composé de grands malades ou de drogués ou les deux, mais surtout d’artistes déjantés ultra-créatifs qui ne se prennent pas au sérieux, et qui ont raison ! A voir !
www.lecrapo.com

Ecoutons les helvètes à présent. Après avoir fait leurs preuves au foot (bouoooouh ! pardon c’est mon côté hooligan qui ressort !) voilà que la Suisse, avec Aloan, nous montre son talent en musique électronique. « Mobbing », un morceau calme, à la limite du Massive Attack ou du Portishead, mais bien ficelé avec de bons sons et une belle voix féminine. Pour planer en plein air… c’est l’idéal.
www.aloan.ch

Enfin, amis du FBAÏ (Front Bourguignon d’Indépendance Armée ), voici un groupe comme on les aime à Montceau-les-mines ! (non je ne me moque pas, justement, je suis semi-bourguignone par alliance !)
Free’s B avec son drum’n bass, tantôt jungle, tantôt rock, ou encore hardtek, mais surtout très électrique nous fait vibrer et donne envie de danser comme des petits fous dans la boue ! « Voodoo Part 2 » est un morceau éclectique, avec tous les styles qu’il faut en un seul morceau mais aussi avec de vrais instruments et ça c’est bon !
www.freesblive.com

Bon, si avec tout ça vous allez pas vous trémousser sur au moins une des scènes tremplins des Eurocks 2006, vous avez tout raté ! On récapitule : du 30 juin au 2 juillet, on va aux Eurockéennes pour voir des grands groupes mais aussi les groupes Tremplins : My Baby wants to eat your Pussy, Last Minutes, Hellbats, Benjie, Jack & the bearded fishermen, Le Crapo des marais, Aloan et Free’s B : pour qu’un jour ce soit eux qui jouent sur la grande scène !

Done Anker, Eblouis-moi, 2006

2006-12-27T18:40:00.001Z

L’Arène
Presque parfaite
J’en suis sûr
La fin des prières
Tu fais simple
Eblouis-moi
Je suis la foule
On est vrai
Mes anciens inconnus
Fidèle
Confidence
Légende vivante

Du rock, dûr, sombre, complexe et prenant, Done Anker en exclu dans les oreilles de Santagore.

Après une carrière au sein du groupe Kindelonn, Done Anker se lance dans un projet solo, aidé de son frangin, Stikine. Cela nous donne du bonheur à écouter, des sons puissants et troublants.
« Eblouis-moi », son premier album témoigne d’une créativité et d’une musicalité comme on en entend peu, et c’est bon !

L’album commence sur des sonorités étranges pour ensuite nous servir un rock poétique et acharné. On en sort pas indemne, il veut être éblouit, mais c’est nous qui le sommes. Fils caché de Thiéfaine, Bashung et autres chanteurs rock ‘n roll français, Done Anker ajoute son poinçon au rock et le transforme arme pour mieux nous faire chanceler.

Ce jeune homme nous livre un opus rock très complexe quand on s’y attarde. Ses mélodies restent en tête, nous entraînent et nous retournent les tripes. Quant aux paroles, parfois un peu perchées, elles font office de vecteur de réflexion sur le malheur des uns qui fait la création des autres.

Le premier morceau ouvre l’album en grandes pompes, rien à voir avec la nouvelle vague française rock, c’est beaucoup plus fort que tout ça. « L’arène » nous donne vraiment envie de pousser plus loin. « J’en suis sûr » est un morceau bizarre, schizophrénique, qui limite fait peur. On aimera sa voix, planante, sourde parfois, criante à la fois. « J’ai arraché ses cheveux, attendu que les cris se dissipent », Done Anker un peu serial killer ?
« Eblouis-moi », single éponyme, ballade douce en apparence est en fait un morceau sombre et cruel. Done Anker fait de la musique douloureuse qui laisse une sensation de mal-être à la fin, mélancolique et pourtant on se sent bien.

Musicalement, c’est un rock travaillé, plein de sonorités que nous chante Done Anker. Guitares, basses, violons, synthés, samples, tout y est, très bien mélangé, de manière à faire vaciller le cœur, à rendre malade. Parfois funky, très rock, pas si « frenchy » que ça, Done Anker est un vrai musicien qui sait quels sons peuvent mieux transmettre son idée.

Les 12 titres qui composent cet album sont tous prenants, touchants et provocants. On l’écoutera donc sans cesse pour comprendre ce qui l’inspire, ce qui le ronge et le fait vibrer. Un univers impénétrable et bizarre mais qu’est-ce qu’on aime ça !

Sortie fin mai, « Eblouis-moi » présage un bon avenir pour le francilien. A découvrir, à écouter, à faire pleurer.

IDEM, Out Immer, 2006

2006-12-27T18:39:00.000Z

1/ Aerobiosis
2/ Power Of (feat Isabelle Pitch Ortoli)
3/ C.UN.INC. (feat Binzen & Koni from L’Ambassade)
4/ DLFO
5/ R’haman MC (feat Binzen & Koni from L’Ambassade)
6/ HAcking the Anti Boot Consortium (feat Fragile, remix of « Scan is completed »)
7/ Grimy Light (feat Avor-X, remix of « Dub’oith »)
8/ Oith Synchronized Decay ( feat Shane Cough, remix of « Dub’oith »)
9/ Vom Got Da Pungly Beat (feat McBlueveiner (La Phaze) , remix of « Vom »)
10/ Panoramas (feat Ez3kiel, remix of « Effigie »)

Dub énergique, electro rock, heavy ambient, les mots pour qualifier la musique de IDEM sont nombreux. Le trio Nantais se définit même comme un groupe de « Dubindusambientrocknoisyelectronicandgroovysounds » (je vous laisse déchiffrer et imaginer !)

Effectivement , c’est un beau mélange que nous propose IDEM, avec des sons étranges, rythmés et calmes à la fois, des voix prenantes et surtout des featuring de qualité.
« Out Immer » est la dernière pierre musicale d’un tryptique qui a débuté en 2004 avec « Waterglasscolor », suivi en novembre de la même année de « Aérobiose » leur deuxième album. Depuis 1999, Idem s’est fait un nom dans la scène électro rock, a tourné avec de nombreux groupes de tous les styles et son talent est reconnu par le public comme les pros.

Et à Santagore alors, qu’en dit-on ?

Pour apprécier Idem, il faut être ouvert, of course, aux mélanges de genres.
Cet album aux sonorités à la fois dynamiques et reposantes est, il faut l’avouer, un beau bijou de musique électronique. Les rythmes envoûtent l’auditeur pour l’emmener dans un voyage musical plutôt plaisant.
« Out Immer » fait penser à une BO de film, la musique raconte une histoire, celle de chaque personne qui l’écoute.

L’album se compose en deux parties : les 5 premiers morceaux sont les nouvelles compos du groupes, les 5 derniers des remix de morceaux des albums précédents par des grands noms de la boîte à rythme.

Le premier morceau qui ouvre l’album annonce la couleur assez vite : guitares, rythmes saccadés de la jungle et du drum’n bass et samples. « Aerobiosis » est un morceau sombre mais entraînant. La suite est variée, on retrouve des ryhtmes plus groovy et funky dans « Power Of » toujours avec la même dose d’électronique qui rend leur son si personnel.
Le chant qui apparaît sur quelques morceaux est rappé, ce qui donne une autre dimension encore à la musique de Idem.

Quant aux remix, que du beau monde ! Les morceaux sont revisités sans pour autant perdre de leur authenticité. Cependant, huit morceaux sur dix réalisés en featuring, on ne sait pas réellement ce que fait Idem dans tout ça, quelles est sa part de composition…dommage, on aurait peut être aimé plus les entendre eux que leurs potes (tous très talentueux, là n’est pas la question !) Toutefois, les moreaux sont très bons, on retiendra par exemple « Oith Synchronized Decay » et « Vom Got Da Pungly Beat », le même morceau remixé de deux manières différentes. Deux univers opposés qui pourtant partent de la même base ! Enorme !
« Out Immer » est un album à l’ambiance enbrumée et qui laisse songeur à la fin, une sorte de mix lounge propice à la méditation.

Lucky Striker 201, Eponyme, 2006

2006-12-27T18:37:00.000Z

1/ Things are so good
2/ Burnburnburn
3/ Ocean Theology
4/ Dawn
5/ Insane
6/ K
7/ A liquid blue quest
8/ Papersnake
9/ The werewolf metaphor
10/ Tokyo Vitriol

Plus que de la musique, un concept !

Lucky Striker 201, sort son premier album et révolutionne par la même le monde de la musique, déjà en plein boum du téléchargement.

Le concept est loin d’être insensé, je sens que ça va vous plaire : faire un album de bonne qualité sonore (et musicale mais j’en reparle plus bas !) et le mettre en téléchargement TOTALEMENT gratuit sur leur site. Oui mais le profit ? Eux connaissent pas, seule la passion les anime ! Non, quand même un album studio ça coûte, la solution : le merchandising comme mode de financement (bientôt sur le site).
Et à Santagore on dit OUI! Parce que quand on voit des jeunes talentueux dire « Music is art, art is not for sale » on a envie de leur donner des victoires de la musique à la pelle ! (et taper Amel Bent mais ça, ça n’engage que moi !)

Allez je me recentre et je vous parle de leur son. Parce qu’en plus c’est du bon. La qualité sonore, c’est du studio de chez studio et la musique c’est de la création de brutes comme on les aime.

Du sexy à la NIN, du bourrin en plus, de l’électro qui plane au dessus de tout ça, des sons tortueux, une voix envoûtante…non je ne suis pas amoureuse, mais ça faisait longtemps que je n’avais pas entendu un truc pareil et les orgasmes musicaux c’est encore plus rare qu’en amour !
Les Lucky Striker 201 ont de la chance, ils vont aller loin…ça se sent ce genre de chose.

Leur musique c’est du métal, du bon comme on en fait plus ; de la belle musique, avec la basse de WBR qui résonne, la batterie avec Sylvicious (frère jumeau caché de Manson période Antéchrist !) qui fait bouger le tout avec une facilité désarmante et un chant…de malade. Caedes Akihoran sait passer du phoque à l’âne, du chant au cri le plus profond, le plus death, ou le plus hardcore.( Il ira parfois jusqu’au style Mansonien de la grande époque)
Ce n’est pas pour rien si ce groupe a déjà les honneurs de la presse rock française , c’est parce qu’ils le valent bien ©

Leur album c’est 10 titres qui nous emmènent vers l’extase musicale.(non je n’en fais pas trop !) On passe partout, par tous les styles et on aime! Ca fait vibrer, ça fait mal au cœur, c’est bon signe Doc ?

Spéciale mention pour les titres « Things are so good » (pour l’ouverture de l’album en grande pompe), « Burnburnburn », « Ocean Theology », « K », et « Tokyo Vitriol » (pour l’effet caustique qu’il procure).
www.ls201.com

Varsovie, Some Days, 2005

2006-12-27T18:36:00.000Z

1/ Varsovie
2/ Somedays
3/ Irréversibilité
4/ Delirium Tremens
5/ The cross (live version)
6/ Monochrome (live version)

Varsovie, capitale de la Pologne, tout le monde le sait (ou presque).

Oui mais là il ne s’agit pas de celle là, mais de Varsovie, groupe composé de trois jeunes hommes d’apparence sombre et torturée (moins torturée tout de même que le rescapé d’Almodovar en couverture, que j’adore !). Ensemble ils nous proposent, sur leur démo, du « rock excessif ». Alors… ? Heureuse ?

Oui plutôt ! On aimera Varsovie, parce qu’ils nous font penser à Noir Désir mais pas trop pour les trouver influencés à outrance. Ce ne sont pas des copies, ce sont des inspirés.
Ils revendiquent des influences de Bauhaus et probablement new wave en général, je dirai même nouvelle vague allemande, époque pré-chute du mur de Berlin pour l’ambiance sombre et désabusée, confirmée par du texte en allemand !

Varsovie, c’est le moment déprime qu’on chercherait à atteindre, comme quand on a envie de pleurer et qu’on se force, pour aller mieux. C’est bizarre, ça dérange mais c’est bon au final.

Musicalement, on nous sert un rock sombre et un chant tout aussi obscur ; le tout, pas trop mal orchestré. Les textes sont poétiques et perchés. « La chute est la plus sûre des lois » nous disent-ils dans « Varsovie », pas facile sur le moment mais je vous laisse comprendre toute la portée de ces mots.

Varsovie c’est ça, on ne sait pas trop puis, après analyse, on fini par capter…quand la musique demande réflexion, moi j’en redemande ! Ca change des chansons sur les chewing-gum !

Bobaflex, Apologize for nothing, 2005

2006-12-27T18:35:00.000Z

Bobaflex, nous vient du pays de George « Dobeulyou ». A priori, certains penseront « Ouai encore un groupe américain, rien d’original, rien de bien passionnant… » mais non ! Il se dégage quelque chose de leur album « Apologize for Nothing » qui fait qu’on est obligé d’écouter jusqu’à la fin…étrange.

Cet album est bizarre : entraînant et musicalement prenant, hurlant, chantant et pogotant…. Bobaflex, c’est du rock, du métal, des rythmes hip hop, du bourrin et de la mélodie. C’est assez vaste certes mais ils ont réussit à bien organiser ça dans un CD. La production est propre, on sent que rien n’est laissé au hasard. Leur univers visuel est celui des comics et leur musique, elle s’inspire de tous les styles de métal et de rock pour nous en mettre plein les oreilles.

Ca va de morceaux comme « Six Feet Underground », très rythmés, rapides et plutôt heavy, en passant par « Guns Ablazin’ » plutôt néo-métal avec hip et hop et guitares tranquilles. Sur leur site, en écoute, « Better Than Me », assez métal, sur l’album « Family » ballade rock amusante…bref, ces cinq mecs passent partout et nous permettent de bien passer le temps ! (Passe-partout, Passe-temps… ? Vous avez compris ? C’est nul ? Ok.)

Cet album n’est pas le plus original du monde mais il est « bel et bon ». Leur musique est bien orchestrée, les voix des deux chanteurs/guitaristes/frères ont chacune leur style et ont un bon rendu. (A savoir que chaque membre pousse au moins une fois la chansonnette ou le cri sur l’album.)

Trois guitares, une basse et une batterie, voici la recette magique du succès outre-Atlantique. Et d’ailleurs, la production n’y va pas de main morte pour leur promo. Entre un site, un « myspace », un journal, un forum, un site de merch’ et autres, aux States on entend beaucoup parler d’eux…
Alors, Bobaflex, purement marketing, oui peut-être, mais quand la musique est bonne, ça va, on tolère un peu plus.

« Apologize For Nothing » risque de plaire à pas mal de gens en tout cas moi, « aime bien » !
Pour le moment, il n’est pas prévu de les voir passer en France, mais si vous êtes au USA , vous aurez une chance de les voir en première partie de Mudvayne. Quant à la vente de l’album, vous pouvez l’acheter en ligne, en attendant de l’apercevoir à la FNAC !

Malmonde, Eva, 2006

2006-12-27T18:30:00.000Z

1/ Behind me
2/ En haut des murs
3/ Just a whisper
4/ Nowhere
5/ Here they come
6/ Avorte la douleur
7/ Eva
8/ La ronde
9/ My way
10/ No tresspassing
11/ Revolution
12/ Nobody can go back
13/ There is nothing

Malmonde, groupe d’origine grenobloise, sort avec « «EVA » un deuxième album dans la lignée des plus grands du death.

Ces cinq garçons plein d’avenir osent en mélangeant le death métal le plus dur avec de l’électronique, les sons les plus atypiques et les effets les plus spéciaux. Chose peu courante dans ce style, que d’entendre de la basse qui n’émane pas d’une guitare mais d’une machine, des sons distordus et des samples de voix lointaines. Le « cyber métal » que Malmonde nous envoie dans les oreilles, c’est celui de notre génération, du 21è siècle mais il plaira sûrement aux plus puristes du style !

Après un premier album, déjà bien plébiscité dans la presse métal (Malmonde, 8 titres, Osmose Production, sortie internationale) et par les fans, le groupe revient donc avec « EVA », un album autoproduit. On sent l’amour du travail bien fait !

Treize titres de death électronique, de cyber métal, de ce que vous voulez, mais en tout cas treize titres qui déménagent.

Quelques uns sont en français comme « En haut des murs », morceau qui a déjà son clip et qui tue tout simplement. Riffs rapides, synthés, grosses basses et batterie qui ne cesse de tambouriner à tout va, le tout ponctué de sons électroniques, le morceau type à la sauce Malmonde. S’il faut en écouter un pour cerner le style de l’album, c’est celui là. En français on retrouve aussi « Avorte la douleur », morceau court et efficace aux sonorités bien trempées.
« Eva » (le morceau), c’est la pause mix, si l’on peut dire, on est face à des sons dans le genre industriels/électriques et la voix masculine qui murmure ses cris… On ne sait pas trop où l’on est musicalement, mais l’ambiance est là et fait fortement vibrer.

Et ainsi de suite avec du gros son comme dans « My way » (non pas la reprise de Sinatra !), ou « Nowhere » (non pas la team !), ou encore « No Tresspassing » qui commence si tranquillement.

L’univers de Malmonde est futuriste tout en étant solidement ancré dans de bonnes bases. De quoi donner un nouveau souffle au death français !

Gomanetsu, Electronic Pigs in Plastic Trees, 2005

2006-12-27T18:27:00.000Z

1/ Pig
2/ A Paying Game
3/ The Astrid Girl
4/ Whispers from Golan
5/ Brain Damage

Gomanetsu, avec un nom pareil, tu m’étonnes qu’on les remarque! J’ai cherché j’ai toujours pas trouvé ce que ça voulait dire…MAIS la question n’est pas là mes amis, NON elle n’y est pas ! (là aussi j’ai cherché !)
Gomanetsu est aussi et surtout un groupe de rock comme on l’aime bien, avec des guitares qui font du bruit , une voix qui chante bien et une batterie et une basse qui cognent bien à eux deux !

« Electronic Pigs in Plastic Trees » débarque dans ma platine comme un don du « Papa Noyèle » pour donner un coup de chaud à ma nouvelle année qui commence fraîchement tout de même ! Ses cinq petits morceaux alternativement rock sont bien arrangés et bien produit. Le son est clair , les notes prenantes. La musicalité est la base de l’album, la mélodie est fortement privilégiée.

Le maxi commence comme une fleur avec un « Pig » loin de celui de Coal Chamber mais tout aussi intéressant. Vocalement, Muse n’est pas loin, c’est toujours plaisant. C’est qu’il nous prendrait les tripes avec sa voix ce Ellis Karpas !

A la gratte, c’est bon, c’est clair, c’est technique, pas brouillon pour un sou, on sent le travail : je dis bravo. C’est de moins en moins courant de nos jours, hélas. Et il n’y a pas que la guitare qui soit bien réglée, c’est tous les instruments qui « s’accordent » c’est le cas de le dire ( !) pour nous offrir des morceaux intéressants, entraînants et enivrants.
On retiendra « A Paying Game » pour ses envolées lyriques et ses changements de rythme, «The Astrid Girl » pour sa sonorité sèche et ses montées en puissance, et surtout « Whispers from Golan ». Cinq minutes quarante et unes secondes de tendresse, de repos, et de calme avant la tempête (durant les trois dernières minutes) ! C’est comme une petite symphonie… (j’aime les hyperboles !).

En tout cas, si vous arrivez à les croiser entre un arbre et un cochon, prenez le temps de les écouter, ça met du baume au cœur.